Entre los meses de septiembre y octubre la cacereña sala El Brocense acogerá la nueva exposición de la artista pacense Paula Valdeón (Villafranca de los Barros, 1992).

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Investigación Artística en la Universidad Complutense de Madrid, ha expuesto en espacios del territorio nacional e internacional como el Centro Niemeyer de Avilés, Casa de Velázquez en Madrid o el Centro Cultural de España en México. Ha participado igualmente en diferentes ferias de arte como ARCO, Estampa, Zona Maco, Urvanity o EXPO Chicago. Su trayectoria incluye además múltiples residencias en España, México, Cuba y Estados Unidos.

Paula Valdeón construye su trabajo desde una forma particular de mirar para descubrir en lo mínimo la posibilidad de un discurso alternativo acerca de lo cotidiano. Sus proyectos más recientes parten de la ornamentación, la arquitectura y sus modos para preguntarse, desde su reducción formal, cómo convertimos en lugares habitables la ficción de hogar que otros diseñan para nosotros y acaban por representarnos en la memoria colectiva.

Proyectos como ‘Lost in Glance’ se convierten en punto de partida para acercarnos a su modus operandi desde el gesto mínimo que genera la fragmentación de un patrón, cuya expresión humana vive en su falibilidad al reproducirse y que Paula explota. Por su parte, la reciente inspiración en el Bordado Serrano nos habla de esos territorios que la tradición desborda entre tierras castellanas y extremeñas mientras que, por el contrario, encuentra patronaje universal en el estampado ‘amazonas’ del envés del típico toldo verde propio de la vivienda de barrio noventera. Sin detrimento de las fórmulas palaciegas donde el cobre que sujeta la alfombra de una escalera barroca puede convertirse en escultura, patente en series como ‘Un número 72’. Una flor, una escalera, un pavo real o dos perros aparecen como fragmentos de un rompecabezas que transita entre lo popular y lo señorial. Bordaduras tejidas en las manos de una madre; cerámicas modernistas de Daniel Zuloaga en un palacio de la calle Mayor de Madrid; celosías propias de alcázar árabe que recaban en viviendas de protección oficial de Badajoz o Carabanchel; o las crasas autóctonas de Lanzarote tras blancas balaustradas encaladas son algunos de los imaginarios que Valdeón recolecta durante su particular nomadismo entre proyectos, residencias y exposiciones, explorando así y mostrando aquí el gesto de habitar.

Esta exposición propone un recorrido que huye de la reproducción lineal de la trayectoria de la artista, para activar nuevas relaciones en su cuerpo de obra, donde arquitectura y ornamento revelan su capacidad para ordenar nuestras formas de mirar, de pertenecer pero también de diferenciarnos.

Hasta el próximo 17 de octubre podrá visitarse la exposición en la Sala de Arte El Brocense, sita en el número 17 de la calle San Antón de Cáceres, con horario de lunes a sábado, de 11.00 a 14.00 horas y de 18.00 a 21.00 horas.

‘Escaleras, celosías y un pavo real’
Paula Valdeón Lemus | Sala de Arte El Brocense | 17.09.26 – 17.10.26

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Hace unos meses reseñábamos el paso intermedio que este proyecto llevaba a cabo, en formato de intervención artística, sobre el patio del antiguo Convento de Santa Clara de Mérida, actual sede del Consorcio Monumental de Mérida. Una propuesta que ampliaba las investigaciones de Carmen Palop en torno al arte textil expandido, hacia lenguajes procedentes de la pintura, la fotografía o el objeto encontrado, operados en el espacio público concreto del mercadillo y aplicados a enclaves particulares, desde la revisión del acontecimiento de vestir hasta sus espacios de relación y, finalmente, exhibición.

Una versatilidad la cual, unida a la voluntad de su autora, convertía el proyecto en un dispositivo de exposición modular en el que cada muestra se configura de manera específica, en diálogo con el lugar de acogida como responsabilidad argumental que enriquecía el relato en cada sede. Así, tras una primera intervención en la colección del Museo Textil de Plasencia y su paso por el Convento de Santa Clara, el proyecto concluye ahora con una muestra final en cubo blanco, a modo de archivo alternativo que cierre la gira.

Así, el Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás reúne algunas de las principales piezas de la exposición en sala, sin olvidar la interlocución con el edificio como práctica recurrente en cada parada. Mientras el museo recibe la estratificación textil que define el proyecto a través de sus ventanas, la sala acoge la montaña de ropa propia del revoltijo de mercadillo y origen formal de esta propuesta, cuya recontextualización museística parece mutar a tótem. Un acto que parte de la recreación para reflexionar sobre los procesos de las artes situadas y cómo la especificidad del proyecto solapa dimensiones que sumar al discurso, en función del lugar en el que se expande.

Esta instalación invita, además, a revisar el concepto de monumento presente en el museo a través de dos fórmulas estéticamente antagónicas y personificadas en Enrique Pérez Comendador y Ángel Duarte, para dirigir el debate hacia terrenos a caballo entre el postmonumento y el contramonumento. La colección de videos que registran transeúntes entre montones de ropa termina por deslavazar en sala la simbología de tótem como constructo impostado. La sala se completa con una colección de objetos encontrados e intervenidos por la artista, que lleva el contraste al extremo, entre la ostentación simbólica de la cornucopia dorada de estilo barroco y la esencialidad de hilos y botones dispuestos a modo de muestrario y causa de todo aquello que compone la muestra.

En definitiva, un proyecto que parte de un suceso popular alegal como es el mercadillo de Su Eminencia en Sevilla mediado por su revisión en clave ecosocial, en un recorrido que transita entre el vestir íntimo y el espacio público para aplicar, a modo de conclusión, ese proceso de mistificación que suele atribuírsele al museo al introducir cualquier elemento en el cubo blanco. Sin embargo, en este caso, el objetivo reside en insertar el debate en entornos donde habitualmente no tiene lugar. El museo actúa aquí como catalizador del pensamiento crítico y divulgador, al tiempo que archivo de asuntos a priori ajenos, mediados por las prácticas situadas como elemento unificador y justificación de la obra en el lugar.

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En mayo se celebra el Día de los Museos, una cita que, por suerte, acaba por extenderse a la semana e incluso al mes de los museos. Durante esos días es curioso ver cómo estos espacios se llenan de talleres, conciertos, DJs y diferentes actividades lúdicas que los copan, con gran expectación y participación.

Lo llamativo es que, dentro de toda esta amalgama lúdica y necesaria que pone el foco en nuestras instituciones museísticas, pocas veces se habla precisamente de ellos, de los museos, echando en falta un espacio de reflexión horizontal que aproveche el contexto con un público ya dentro y dispuesto, como complemento a las conferencias e investigaciones de altos vuelos, igualmente esenciales y auspiciadas por las grandes organizaciones nacionales e internacionales, a lo largo del año.

Por ello, y a modo de ejemplo desde un pequeño reducto al estilo de la célebre aldea gala, en el cacereño Palacio de la Isla se celebró un foro grabado en formato podcast, con la Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica como articuladora.

El encuentro sirvió para reflexionar sobre cómo nos relacionamos con los museos entre artistas, comisariado y comunidad educativa, con un alumnado de bachillerato artístico que, además, ganaba en número. Un entorno para compartir experiencias y acercar las distintas miradas surgidas en torno a la programación impulsada por el Ayuntamiento de Cáceres, que también contenía sus correspondientes talleres.

Con la presencia del artista y finalista de la Bienal Isaac Fernández y el coordinador del taller y tutor del mencionado Bachillerato del instituto Al-Qázeres las conversaciones fluyeron entre todas las partes, recogidas en una primera acción que puede convertirse en el comienzo de un archivo alternativo para la cita.

De esta experiencia, con mayor o menor calado mediático, surge un archivo sonoro que recoge, en forma de programa piloto, la opinión sin filtros de todos quienes quisieron compartirla. Una iniciativa que, más allá de los contenidos expresados, busca estrechar brechas y difuminar los roles entre emisario y receptor de la creación contemporánea, situándose más cerca de las nuevas corrientes de democracia cultural que de la verticalidad institucional asociada al formato del Día Internacional.

Este año, además, bajo el lema ‘Museos uniendo un mundo dividido’, también cabía hablar del rumor de equidistancia que los grandes eventos artísticos hacen vibrar en tono bajo ante el genocidio y la vulneración flagrante de los derechos humanos, con culpables contrastados que fracturan el mundo desde arriba hacia abajo. Mientras la Bienal de Venecia presentaba una edición póstuma por el fallecimiento de su comisaria Koyo Kouoh un año antes (quien no ha tenido la opción de pronunciarse) los pabellones de Israel y Rusia se mantienen, con la consecuente dimisión del jurado internacional del evento y las huelgas de sus trabajadores. Ya en marzo, en España, la directora de ARCO anunciaba una feria ‘tranquila’ como eufemismo de una posición equidistante que hacía sospechar de la actitud de las grandes citas culturales al respecto, a la vez que España sale de Festival de Eurovisión pero mantiene su pabellón en la cita veneciana.

Mientras tanto, en esta irreductible aldea mangurrina y bellotera, entendemos el ‘minor key’ de otra manera, probablemente en la línea original de Kouoh, desde donde revisar nuestra propia historia, trabajar nuestro arte y hablar de nuestros museos sin veladuras intermediadas y en igualdad de condiciones.

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El pasado 25 de marzo se inauguraba en Mérida la nueva exposición de Carmen Palop, ‘Arqueología de la moda’. Un proyecto transdisciplinar que toma el arte textil como punto de partida para expandirlo a otros lenguajes provenientes de la pintura, la fotografía o el objeto encontrado, operados en el espacio público concreto del mercadillo y aplicados a enclaves particulares, desde la revisión del acontecimiento de vestir hasta sus espacios de relación.

Tras estrenarse a finales del año pasado en el Museo Etnográfico Textil Pérez Enciso de Plasencia, el proyecto aterriza ahora en el patio del antiguo Convento de Santa Clara, otrora vivienda noble fruto de las desamortizaciones y, en la actualidad, dependencias del Consorcio Ciudad Monumental de Mérida. Tras aquella intervención en Plasencia y con el foco puesto en el Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás como cierre de la gira expositiva, el proyecto llega ahora a la capital extremeña para articular una nueva lectura conforme a estos temas. De este modo, si en Plasencia la obra dialogaba matérica y simbólicamente con el gesto de vestir y su carga social representada en la colección del museo, Carmen Palop apuesta en Mérida por reconfigurar el espacio público, alterando su carga simbólica, la cual activa mecanismos de representación en función de quién lo transita.

Un ambiente disruptivo, sostenido en fotografía, vídeo, objeto encontrado e instalación, reprograma el uso organizado del patio hacia la confusión natural de los entornos de relación y compraventa que evoca, construidos desde la organicidad de quien va llegando al lugar. Una atmósfera que contrasta deliberadamente con la nobleza que requería el patio para la burguesía inquilina de antaño o con la institucionalidad impuesta por los actuales usuarios del edificio, lo que, en última instancia, nos invita a reflexionar sobre las escalas de valor que se construyen en torno al espacio público.

Tras estas dos exposiciones, planteadas como investigaciones expresamente dedicadas a la historia reciente de la ropa y al devenir del espacio público en Extremadura, atravesadas por el mercadillo como entorno donde ambas cuestiones acontecen, el proyecto presentará sus conclusiones en el Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás el próximo verano.

Mientras tanto, en Mérida, la exposición, apoyada por las ayudas a artistas visuales de la Junta de Extremadura en 2025, podrá visitarse hasta finales de mayo de martes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 18.00 horas, y los domingos y festivos de 10.00 a 14.00 horas.

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Un año más nos plantamos en la semana del arte para recabar la presencia extremeña en las principales ferias: ARCO y sus cuatro satélites repartidos por la ciudad (Art Madrid, CAN, JustMAD y Hybrid).

En esta clave, ARCO es territorio de la galería pacense Ángeles Baños, que continúa fiel a su cita anual con un formato que parece funcionar, cuando menos, a nivel discursivo. Un amplio stand, montado con gusto, cuya apuesta extremeña repite con Abel Jaramillo, que a su vez enlaza con su reciente individual en la Sala de Arte El Brocense de Cáceres. En una línea parecida, las hermanas Castellano (extremeñas de nacimiento y madrileñas de adopción), Pilar y Mayte, presentan, como suele ser habitual, a otra extremeña de nacimiento, Victoria Gil, andaluza de adopción, como demuestra su reciente adquisición por parte de la Junta de Andalucía en la propia feria.

Experiencias de las que podrían aprender los stands institucionales extremeños, marcados por diferentes formas de provincianismo. Mientras que la propuesta ‘Proyecto Extremadura’ de las fundaciones Caja Extremadura y Cajalmendralejo presenta una única obra del madrileño Daniel Canogar y una programación sin agentes extremeños, la Diputación de Badajoz tropieza en la misma piedra al repetir la excesiva acumulación de obra bajo criterios cogidos con alfileres que provocaron la crítica unánime hace dos años; una deriva que entendemos ajena a sus artistas, en esta ocasión Carmen de Matos, José Luis Hinchado, Juan Sebastián González y Roberto Maqueda.

Afortunadamente, nuestras galerías mantienen un nivel a la altura de su compromiso, cuyo testigo recoge el espacio placentino Beatriz Pereira, que se presenta por primera vez en Art Madrid con dos referentes extremeños de media carrera, Beatriz Castela y Virginia Rivas, investigando los límites estilísticos de la pintura.

En esta misma feria aparece José Macías, que duplica su presencia en el formato hotelero de Hybrid, donde un nuevo experimento galerístico de Badajoz bajo el nombre de Espacio Difuso replica la fórmula de sobreexposición de obra ya vista en el stand de la Diputación de Badajoz en ARCO. Una deriva que, en todo caso, parece más inherente al propio formato ferial en el que se inscribe que al apoyo institucional de la misma Diputación. Sea como sea, la aparición de nuevos espacios para el arte en la región es siempre una buena noticia.

Y cerramos con la sólida presencia de artistas extremeños en CAN, feria acogida en Matadero, con Miguel Ángel Cardenal, Lola Zoido y Fernando Tinoco en proyectos colectivos, junto al ‘solo project’ de Daniel Muñoz en Gabinete de Dibujos de Valencia, y Piro diseñando el stand promocional de Absolut.

Luces y sombras en una presencia que sigue marcada por los números: 18 artistas participantes, 12 hombres y seis mujeres.

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Entre los meses de octubre y diciembre, como suele ser habitual cada dos años, la Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica ‘Ciudad de Cáceres’ prepara y presenta su nueva edición que desborda el año correspondiente para seguir hablando de obra múltiple con el nuevo año.

En esta ocasión, y tras pasar la barrera de las diez ediciones, las novedades vienen desde de la dirección artística. Si durante anteriores convocatorias la dirección y comisariado había corrido por parte de Rosa Perales (germen del proyecto), Julio C. Vázquez Ortiz y María Jesús Ávila sucesivamente, el consistorio decide ahora aunar los tres perfiles para responsabilizarse de las labores de jurado y comisariado, en una tríada inédita hasta la fecha. Coordinados por Toya García y el equipo de la Concejalía de Cultura, el proyecto se afianza para abrir una nueva decena de citas, cuyos resultados se mantienen la altura de las expectativas.

La calidad manifiesta de las obras finalistas, según lo recogido en acta, así como la variedad en lenguajes y técnicas presentadas, desprende una participación de 290 obras de 172 autores, procedentes de países como Argentina, Austria, Brasil, China, Taiwán, Chile, Francia, Italia, Colombia, Costa Rica, Irán, Perú, México, Holanda, Polonia, Portugal, Rumanía, Rusia, Reino Unido, Uruguay y España. La exposición destaca precisamente por esa pluralidad en la concepción de la obra gráfica, donde conviven procedimientos tradicionales como aguafuerte, aguatinta, xilografía, linograbado, litografía, serigrafía o fotograbado, con técnicas más recientes como impresión digital, risografía o procesos híbridos que abren caminos hacia el libro de artista, la instalación o el objeto encontrado.

Siendo así, el jurado expresa en actas, convenientemente publicadas en el sitio web de la Bienal, la unanimidad para otorgar los dos galardones:

• El Accésit para ‘Reconstrucción de recuerdos’, de Elena López de la Oliva; por su dinámica articulación formal de estampa monocroma sobre retales de lino, el uso consciente de la fragmentación y la repetición de la imagen, y la coherente integración de estos recursos con un contenido crítico centrado en la degradación de los contextos urbanos.

• El Primer Premio para ‘Lines’, de Laura Pilar Delgado; por su grado de madurez y rigor, así como la articulación coherente de los planos formal y conceptual. Las decisiones plásticas encarnan el discurso a través de una exploración crítica y consciente de las posibilidades expresivas de la risografía y del archivo expandido a partir de objeto encontrado, en este caso, de origen textil. Un reconocimiento que premia solvencia, claridad conceptual y una aportación significativa al lenguaje de la gráfica contemporánea.

La Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica ‘Ciudad de Cáceres’ puede entenderse hoy como un archivo vivo de la gráfica actual que, cada dos años y en forma de colección, recoge, registra y reconoce la voluntad de avanzar en el diálogo entre lenguaje y disciplina, sin olvidar el bagaje técnico sobre el que se construye, y discute, su contemporaneidad.

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El que fuera programa de arte y cultura contemporánea de la Junta de Extremadura durante cuatro ediciones bianuales, presentó recientemente los registros de su última edición en la capital del país argentino, dentro de la programación del Centro Cultural de España en Buenos Aires y en colaboración con la Residencia Epecuén del colectivo Ambos Mundos. Se trata de una exposición que cruza los archivos en ciernes de ambos proyectos y aglutina hasta 15 artistas procedentes de Argentina, España, Portugal, Brasil, Bosnia y Herzegovina, Estonia y Serbia.

A lo largo de los últimos meses, los resultados de Cáceres Abierto han ido recorriendo diferentes citas internacionales para presentar sus registros más recientes. Si en noviembre de 2024 se pre estrenaba el documental de la cineasta extremeña Rai Pérez ‘No hay nada más extraño en una tierra extraña que el extraño que la visita’ en el marco del programa ‘Desplazamientos’ en Buenos Aires, durante la pasada primavera fue la Bienal Internacional do Alentejo la que acogió la presentación del catálogo, el cual compendia no solo los trabajos de 2023 sino también el total de proyectos artísticos desarrollados al amparo de este programa desde 2017.

Ahora, a través de la exposición ‘Dormir mientras nuestras camas arden’, los registros de algunos artistas como Fernanda Fragateiro, Alonso Gil, Núria Güell, MawatreS, Raquel Meyers, Santiago Morilla o Lola Zoido, se exhiben en una exposición de archivo, cruzada con los resultados de la XVI Residencia Epecuén, de la que Julio C. Vázquez Ortiz fue curador invitado en 2024. Junto con la curadora argentina Paula L. Benítez, la exposición se completa con autores como Mariana Coan, Heleliis Hõim, Polina Izvezkova, Beatriz Lindenberg, Guillermo Mena, César Núñez o Vanja Pandurevic.

Durante las siguientes semanas tuvieron lugar en la capital argentina otras actividades relacionadas, como la ‘Jornada Iberoamericana de Arte y Archivo, Registrar lo efímero’, donde Cáceres Abierto presentó su catálogo por primera vez en Argentina, así como la fanzineteca surgida de las diferentes publicaciones alternativas desarrolladas bajo este proyecto. Igualmente, Julio C. Vázquez Ortiz llevó a cabo la masterclass ‘Nuevas tendencias en arte público. Arte, territorio y poder ante el desafío ecosocial’, en colaboración con entidades bonaerenses como la Galería Gachi Prieto, Proyecto PAC y la Nave Escobar, para acabar con un programa de clínicas artísticas dentro de la programación de la Residencia Coordenadas.

Por su parte, el documental de Rai Pérez se estrenó en España dentro de la programación del XIII Congreso Internacional de Socialización del Patrimonio SOPA, celebrado este año en Alburquerque en octubre.

La exposición ‘Dormir mientras nuestras camas arden’ podrá visitarse durante el último trimestre del año en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA).

Cáceres Abierto ha sido el primer y único programa de arte contemporáneo de la Junta de Extremadura surgido del concurso público. Una convocatoria ganada por el comisario y gestor cultural Jorge Diez Acón, quien comisarió las dos primeras ediciones junto al comisariado asociado de Julio C. Vázquez Ortiz. Las dos ediciones posteriores fueron diseñadas por este último, con el comisariado asociado de Ana García Alarcón, quien debía haber sido la responsable de la que fuera la quinta edición, sumando un nuevo comisario asociado extremeño. Tras la cancelación política del proyecto, Cáceres Abierto afronta ahora los trabajos de conformación y divulgación de su archivo de forma independiente.

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Al amparo del proyecto ‘Ópera Rural’, un programa de divulgación del género lírico en enclaves no nucleares, nace la primera convocatoria de prints sobre ópera. A partir de este formato de ilustración accesible y de moda en los últimos años, el certamen busca conformar una exposición de ilustraciones sobre la Comedia del Arte, a partir de sus 12 arquetipos, reconocibles a su vez en la cultura popular a lo largo de la historia hasta nuestros días.

Así, destinado a todos los ilustradores y artistas profesionales y aficionados interesados, se lanza la I Convocatoria de Ilustración ‘Ópera Prints’, con el objeto de promover la creación contemporánea y su poder de mediación para acercar el género lírico a un público amplio. Para ello, un jurado elegido específicamente para la ocasión llevará a cabo una selección de 12 finalistas (uno por cada arquetipo de la comedia del arte) destacando uno de ellos como el mejor trabajo presentado, con una dotación económica de 300 euros. Por su parte, y conforme a una voluntad de respeto a unas buenas prácticas profesionales, todos los trabajos finalistas serán contraprestados en calidad de derechos de reproducción con una cuantía fija, de la misma manera que todos los prints presentados formarán parte de la exposición de resultados, cuya producción correrá a cargo de la organización. La convocatoria acepta todas las técnicas que permitan la reproducción mediante impresión digital y mantengan su autoría creativa.

El resultado, en forma de exposición, itinerará por las diferentes poblaciones que participan en el programa ‘Ópera Rural’, tales como Valdivia, Entrerríos y Zurbarán, mientras que la entrega de premios tendrá lugar durante la celebración de la jornada ‘El camino de la lírica: La Comedia del Arte en la cultura popular’, el 19 de noviembre en la Plaza de España de Valdivia. Unos días después, el 22 de noviembre, el programa cerrará por todo lo alto con la puesta en escena del montaje ‘Una noche en la Ópera’ en la Casa de la Cultura de Valdivia.

Bases de ‘Ópera Prints’ y programación de ‘Ópera Rural’

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Si en el anterior número de la revista se actualizaba el estado de la cuestión del extinto programa de arte público Cáceres Abierto aprovechando la reciente publicación de su último catálogo, ahora le toca el turno a sus contenidos específicos: un recorrido por las intervenciones artísticas de calle que centraron la programación, tal y como se describen en su catálogo.

Mención especial a aquellos tres proyectos censurados, cuya historia se resume en las próximas líneas y sus detalles quedaron publicados en este mismo medio, bajo el título ‘Diario de intervencionismo político en el arte’ I y II

Pasen y lean:

Intervenciones en el espacio público
Las intervenciones de calle, elemento principal del programa, se repartieron por toda la ciudad, desde Aldea Moret a la Ribera del Marco, pasando por algunos espacios más céntricos como la Avenida España o el Parque del Príncipe, cuyos puntos informativos y expositivos se concentraron en torno a las sedes habituales: Museo de Cáceres, Archivo Histórico, Biblioteca Pública y la Sala de Exposiciones El Brocense; las cuales recibieron, a la vez, sendas exposiciones reseñadas más abajo.

‘eu natureza’
Fernanda Fragateiro (Montijo, Portugal, 1962)
Ubicación: Avenida San Pedro de Alcántara
Colabora: Asociación Cáceres Verde

Diversas reuniones con asociaciones y entidades municipales responsables del patrimonio verde de la ciudad dirigieron la mirada de Fernanda hacia la recreación de un espacio natural en una ubicación pública específica, la avenida San Pedro de Alcántara, teniendo en cuenta su idiosincrasia en cuanto a la proliferación de su uso privado y fisionomía pavimentada prácticamente en su totalidad.

Tras un primer intento de plantear una acción permanente que revirtiera una parte simbólica del exceso de pavimento mediante su sustitución por un carril verde, la negativa del consistorio llevó a replantear la pieza hacia los habituales jardines efímeros de Fragateiro.

Las primeras reacciones, ajenas a la organización, no se hicieron esperar, antes incluso de comenzar la instalación, cuando la avenida en cuestión amplió considerablemente la presencia de grandes maceteros y arriates públicos con nueva vegetación, ejecutando los objetivos de la pieza antes incluso de ser producida.

Finalmente, la obra instalada dio como resultado la transformación del entorno mediante nuevas fórmulas de urbanismo verde, fundido con lenguajes arquitectónicos y poéticos propios de la artista, respetuoso con el medio ambiente, así como con el viandante, con el fin de recuperar el espacio público para un uso compartido y sostenible, más allá del mero tránsito o el consumo privado de terrazas y marcas, promoviendo espacios para estar y respirar.

La pieza se completa con la cita “a razão e uma flor” del filósofo italiano Emmanuele Coccia, imprimada con pintura negra mediante stencil en una de las paredes de la Sala de Arte El Brocense, la cual reúne obra de cada uno de los artistas participantes.

Una vez finalizado el evento, las árboles y plantas empleados fueron donados al colegio Santa Cecilia, sito junto al emplazamiento de la pieza y la estructura almacenada, en busca de posibles nuevas ubicaciones ya museísticas.

‘Canteminación, nuevas mineras’
Alonso Gil (Badajoz, 1966)
Ubicación: dispositivo móvil, activo todos los fines de semana comprendidos dentro de la celebración de Cáceres Abierto
Colaboran: Carmen Palop, Cesar Cantero, Esther Regueira, Jorge Martínez, Cía. de poesía Letras itinerantes y Plataforma No a la Mina

Con el objetivo de recuperar y actualizar el cante de las minas de Aldea Moret como elemento transversal en la historia e intrahistoria de la ciudad, Alonso Gil reúne alrededor de su proyecto a poetas, cantaores y expertos en la materia.

Como origen, un primer archivo de cante minero local y nacional, al que sumarle como eje vertebrador la escritura, interpretación y grabación de nuevo cante minero, con letras actualizas en torno a la situación actual de la minería en la ciudad. Las letras, compuestas por los poetas David Eloy Rodríguez y José María Gómez, se distribuyeron en octavillas a través de un artefacto móvil construido para la ocasión que recorrió las calles de la ciudad mientras sonaba ese nuevo cante, grabado por la familia Cantero (Eugenio y Miriam) descendientes de mineros de Aldea Moret, y Esther Merino, extremeña ganadora de la Lámpara Minera. Mientras el artefacto no estaba en movimiento, quedaba exhibido junto a las octavillas en la Sala de Arte El Brocense.

Durante el proceso, la Secretaría General de Cultura de la Junta de Extremadura expresó su preocupación por los contenidos de estas octavillas con relación a la ley electoral, al apelar al proyecto minero que enfrentaba a partidos políticos durante la campaña, por lo que solicitaron no sacar el material hasta después de las elecciones, coincidentes con el periodo de Cáceres Abierto. Ante la negativa de artista y comisariado, se acuerda publicar las octavillas tapando algunas con el mensaje “esta imagen estará disponible a partir del 30 de mayo”; o, en el caso de las poesías, “esta letra minera estará disponible a partir del 30 de mayo”, día siguiente a la celebración de los comicios, entendiendo como única vía la de comunicar con transparencia esta voluntad política, ajena al origen del a obra, pero que termina por añadir un nuevo estrato semántico como testigo de su tiempo y lugar. Una vez celebradas las elecciones, se produjeron y distribuyeron las octavillas completas, sin merma.

El proyecto se acompañó de un recital celebrado en el patio del Archivo Histórico Provincial el 28 de abril, donde los descendientes de Demetrio Cantero (introductor del cante minero en Aldea Moret) Eugenio y Miriam, interpretaron en directo estas nuevas mineras, junto a otro ganador de Lámpara Minera, el saxofonista Gautama del Campo, acompañades todes de la guitarra de Rodrigo Fernández.

Actualmente, los cortes de cante minero, así como las octavillas en formato digital, quedan disponibles en el sitio web de Cáceres Abierto, así como en el apartado de archivo de esta publicación.

‘Propuesta de arte público #1: Monumento Popular’
Núria Güell (Vidreres, 1981)
Ubicación: Plaza Mayor
Colaboran: colectivos y ciudadanía de la ciudad de Cáceres

Este proyecto pretende mutar en acción artística un proceso administrativo como es la creación de una empresa privada, la cual se acaba disponiendo para un uso civil, de tal manera que recupera por el camino su practicidad, transformada ahora en bien público. Para ello, la empresa copia la ingeniería fiscal propia de las compañías denominadas ‘fantasma’, basado en la reactivación de una sociedad preconstituida a nombre de un testaferro insolvente.

El uso habitual de estas estructuras privadas, aunque fiscalmente válidas, abren el abanico a determinadas acciones éticamente reprobables, replicando la arquitectura empresarial de los principales casos de corrupción del país, así como ejemplos locales concretos de propaganda extractivista, o fórmulas para la evasión de impuestos. Atlas Investment Strategies SL fue el nombre de la sociedad reconstituida por un gabinete de abogados contratados para aquel fin.

Convertir esta estructura de poder económico en un bien común constituye el objetivo de este monumento popular que se formaliza simbólicamente con una placa conmemorativa dispuesta en la Plaza Mayor de la ciudad, donde se recogen los datos fiscales disponibles junto al contacto para facilitar su uso. Esta placa de hierro fundido permaneció instalada durante el tiempo que la empresa estuvo activa, llegando a un año natural, durante el cual se demandó el uso de esta.

La pieza se completa con un anuncio publicitario, un video de corte documental con el proceso de contratación del testaferro y la rueda de prensa dada por la artista durante la inauguración de Cáceres Abierto. Estos vídeos, junta a las escrituras de constitución de la empresa, fueron expuestos en la Sala de Arte El Brocense.

‘Más o menos rojigualda’
±MaisMenos± (Oporto, Portugal, 1981)
Ubicaciones originales: Aldea Moret, Carretera de la Montaña, Plaza de Santiago, Glorieta V Centenario, Cerro de los Pinos, el Junquillo, cárcel antigua, Ribera del Marco, Ermita de la Quinta de la Enjarada
Reubicación: Escuela Superior de Arte Dramático (Plaza de San Jorge), Parque del Rodeo
Colaboran: colectivos y ciudadanía de la ciudad de Cáceres

Partiendo del habitual trabajo del artista centrado en la formalización de mensajes de carácter ambiguo en el espacio público, se elige la bandera como elemento de señalización para compendiar debates tanto locales como globales reseñables, transformando un lenguaje puramente institucional en un código social diverso, para lo que se emplea como vehículo la combinación rojigualda a modo de código vexilológico reconocible.

Se propone distribuir una veintena de banderas por puntos específicos de la ciudad, seleccionados de forma colaborativa con la ciudadanía, a modo de mapeo con asociaciones vecinales y colectivos invitados a participar en el taller desarrollado durante el mes de marzo de 2023, para conectar el mensaje de la bandera con el contexto adecuado. De ahí surge una colección de códigos aparentemente erróneos en la conformación de la bandera española, cuya leyenda pudo descubrirse en la instalación final situada en la Sala de Arte El Brocense. El proyecto se completaba con el izado simbólico de cuatro de las banderas, acordadas previamente, en la fachada del Ayuntamiento.

Durante el montaje de los mástiles en las distintas ubicaciones, algunos ciudadanos anónimos decidieron activar la pieza por iniciativa propia, izando mensajes anti-gentrificación en los barrios de casco histórico. Un intercambio plausible en intervenciones artísticas en el espacio público. No obstante, está situación provoca la intervención del ayuntamiento, optando por cancelar el permiso de ocupación de la vía otorgado con anterioridad, hasta después de las elecciones.

Con el fin de sacar adelante el proyecto, el equipo de Cáceres Abierto decide reinstalar las banderas en la fachada de la Escuela Superior de Arte Dramático, de titularidad autonómica sin jurisdicción municipal. Una selección de cuatro ondeó en los mástiles situados en el Parque del Rodeo. Durante la celebración del evento, varias inspecciones municipales, sumado al rodaje de una serie en las inmediaciones de la ESAD, obligaron de nuevo a retirar las banderas en varias ocasiones. Finalmente, la pieza ha sido donada por el artista a la colección de la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura.

‘Basamentos’
MawatreS (Madrid, 1986)
Ubicación: Parque del Príncipe
Colabora: Instituto Universidad Laboral

Interesado en los estratos históricos presentes en nuestro lugares comunes, MawatreS centra su atención en los principales monumentos de la ciudad. Tras un proceso de investigación formal entre los archivos municipales de monumentos y escultura pública se lleva a cabo una nueva construcción en uno de los parques más concurridos de la ciudad, el Parque del Príncipe.

Junto a la zona de usos deportivos y recreo, y conviviendo con el museo de esculturas al aire libre de Cáceres, se erige una edificación a medio camino entre la escultura monumental y el mobiliario urbano. Un espacio usable conformado por la reproducción a escala de los basamentos de los principales monumentos de la ciudad (Nezahualcoytl, Hernán Cortés, Alfonso IX y monumento a los conquistadores), perfectamente reconocibles a pesar de la ausencia de sus figuras encumbradas.

Esta acción acaba por transformar el discurso hegemónico vertical en una edificación horizontal a través de la cual el homenaje será todo aquello que el usuario quiera realizar sobre dicha construcción.

La pieza se acompaña en sala con una intervención específica, mediante acrílico y cemento, inspirada en la construcción de calle y realizada exprofeso por el artista, expuesta en la Sala de Arte El Brocense, junto al modelo original, impreso a escala en 3D.

Por acuerdo entre todas las partes, la construcción instalada en el Parque del Príncipe queda instalada hasta la próxima edición de Cáceres Abierto, prevista para 2025.

‘Hidropoéticas de Los Barruecos’
‘Hidropolíticas de la Ribera del Marco’
Santiago Morilla (Madrid, 1973)
Ubicación de ‘Hidropoéticas de Los Barruecos’: Sala del Molino del Museo Vostell Malpartida
Ubicación original de ‘Hidropolíticas de la Ribera del Marco’: Charca del Rey, Fuente Fría, Fuente Concejo y Fuente Rocha
Reubicación de ‘Hidropolíticas de la Ribera del Marco’: Sala de Arte El Brocense.
Colabora: Centro de Interpretación Cuevas de Maltravieso, Cátedra Enresa-Universidad de Extremadura, Museo Vostell Malpartida

Dentro de una de las principales premisas del artista acerca de dar voz a los no humanos a través de la tecnología, Santiago Morilla se fija en cómo el agua recorre la historia natural, social y cultural de Cáceres y su entorno, desde los primeros pobladores hasta nuestros días. Un proceso que le lleva hacia las dos corrientes de agua más características de la zona, la cacereña Ribera del Marco y la charca del lavadero de lanas donde se ubica el Museo Vostell Malpartida.

De esta manera, atendiendo a la realidad de sus aguas, el artista plantea una doble intervención cuyo nexo se dispuso en la sala negra de la sala de exposiciones El Brocense, mediante un repositorio de archivo. En primer lugar, los resultados de un proceso de análisis químico se convierten en el contenido de una campaña publicitaria en formato de vallas, ‘Hidropolíticas de la Ribera del Marco’, dispuestas a lo largo de sus cuatro fuentes y evidenciando cómo la realidad de sus aguas habla del presente, pasado y futuro de la ciudad. Por su parte, las ‘Hidropoéticas de Los Barruecos’ entran en simbiosis con su entorno natural y artístico, mediante dos dispositivos: uno de toma y emisión de datos a tiempo real sobre el agua de la charca de Los Barruecos junto al MVM; conectado al segundo, un artefacto de recepción de estos datos, manipulables a partir de un Theremin transformado en un bolo de lana, creando así un ambiente inmersivo e interactivo en la sala del molino a través del cual, el visitante puede comunicarse con la charca.

La primera de las instalaciones, ‘Hidropolíticas de la Ribera del Marco’, fue cancelada en su totalidad por el Ayuntamiento de Cáceres, denegando el permiso otorgado con anterioridad para su instalación en las cuatro fuentes públicas de la propia ribera, impidiendo que los resultados de los análisis homologados del agua viesen la luz en sus ubicaciones originales. Los carteles diseñados con dicha información quedaron exhibidos en la Sala de Arte El Brocense, durante el tiempo que duró la celebración de Cáceres Abierto. En esta misma sala se proyectó una pieza de video arte (accesible en el sitio web de este evento) producida por el artista en el que narra los resultados de estos análisis, junto a la ya citada mesa de archivo.

Meses después, en noviembre de 2023, la Asociación de Amigos de la Ribera del Marco reprodujo los carteles para ser expuestos en la Biblioteca Pública, dentro de sus VIII Jornadas de Cáceres y la Ribera del Marco.

‘No hay nada más extraño que en una tierra extraña que el extraño que la visita’
María Pérez (Plasencia, 1984)

La directora de cine María Pérez Sanz afronta la labor de realizar el documental de Cáceres Abierto 2023, con la intención de traspasar esta denominación hacia una pieza audiovisual con entidad propia, de tal manera que entendemos su inclusión como una artista más del listado de creadores, a todos los efectos.

De esta manera, la cineasta ha participado de todas las fases del proceso de compartición, creación, diseño, producción y exhibición, así como de la evolución que han sufrido los conceptos de utopismo, colapso y reconstrucción a lo largo de estos meses. Como resultado, una pieza documental que recoge la esencia, el desarrollo y las reacciones a cada una de las intervenciones, junto a las impresiones de agentes colaboradores y viandantes que recibían la pieza.

Durante la celebración del evento se exhibió ‘Ejercicio 3: Documental’, un corte experimental de la cineasta en relación con su trabajo en Cáceres Abierto, junto al resto de obras de los artistas participantes, en la Sala de Arte El Brocense.

Como en ediciones anteriores, el documental deberá ser estrenado junto a la presentación de este catálogo, en año intermedio entre ediciones.

‘Terreno modular. El detritus cacereño’
Lara Ruiz (Luxemburgo, 1986)
Ubicaciones: Plaza de los Bancos de Colores (Aldea Moret), Paseo de Cánovas, Paseo de la Diversidad y Avenida Héroes de Baler (Cárcel vieja)
Colabora: Área de Escultura de la Escuela de Bellas Artes Eulogio Blasco, Jose Antonio Calderón Silos y alumnado

Mediante proceso participativo con alumnos de la escuela de Bellas Artes Eulogio Blasco se lleva a cabo la reconstrucción de acerado destruido en diferentes barrios de la ciudad, a partir de la recogida de sus propios ripios, que son empleados nuevamente para generar otra baldosa instalada posteriormente en el mismo lugar. El diseño de esta baldosa corresponde a un molde de suelo público cubano, extraído de la ciudad de La Habana, donde a su vez, se encuentra una intervención de las mismas características, a partir de diseños de baldosas españolas, a modo de intercambio de suelos.

Una intervención que pone el foco en los límites del suelo público, desde su fisonomía hasta su diseño, y en la consecuente información que nos transmite sobre el entorno en el que se ubican. Elementos que nos llevan a pensar en la elasticidad del propio concepto de suelo público, variando según el estatus social, económico y cultural de lugar intervenido y cuyo diseño nos transporta a su vez, a otra realidad pública ajena, la habanera.

El proyecto se completa con una muestra de materiales y modelos de ambos acerados (cubano y español) expuestos en la Sala de Arte El Brocense. Dada la naturaleza permanente de la acción de reconstruir el acerado, la instalación artística queda de forma permanente en sus ubicaciones originales.

‘Unfortunate Land’
Lola Zoido (Badajoz, 1994)
Ubicaciones: Aljibe árabe (Museo de Cáceres), Plaza Mayor

Partiendo de una primera referencia a ‘La Extremadura saqueada’, estudio publicado por la editorial parisina Ruedo Ibérico en 1979, Lola Zoido plantea su revisión plástica y emocional desde una perspectiva personal donde lo ‘cute’ y la violencia juegan con nuestro imaginario contemporáneo en un emplazamiento patrimonial como es el Aljibe Árabe del siglo XII, sito en el Museo de Cáceres. Para ello, actualiza plástica y tecnológicamente conceptos que perviven más candentes que nunca en la realidad de la región, apelando a la memoria como elemento compartido con los arcos centenarios que rodean la instalación.

Formalmente, la pieza se construye desde la fantasmagoría de hologramas dispuestos entre los vanos del aljibe. Sobre ellos se animan imágenes tendentes a la figuración, pero irreconocibles, uniendo elementos que nuestra retina puede reconocer, desde formas naturales y vegetales hasta puntiagudos instrumentos metálicos, en ocasiones a caballo entre un puño americano y un dildo. Una amalgama de valores plásticos construidos en primera instancia mediante inteligencia artificial manejada por la artista para generar nuevas figuras que fusionan la naturaleza extremeña con armas de defensa personal ‘lowcost’. El modelado final de cada holograma recoge el particular estilo de la artista, que además permite la interacción fuera del aljibe.

El proyecto de Lola se completa con una pieza de realidad aumentada interactiva, instaurada a modo de filtro de Instagram, accesible únicamente desde la Plaza Mayor de Cáceres, invitándonos a intervenir sobre el sobresaturado casco histórico cacereño a partir de aquellos elementos que flotan en el aljibe. El proyecto se completa con la reproducción en tela de dos de estas figuras holográficas, dispuestas en la Sala de Arte El Brocense.

La entrada Nuevo catálogo de Cáceres Abierto. Archivo año 0 (y II) se publicó primero en Revista Grada.

Recientemente se presentaba en la Bienal Internacional do Alentejo el último catálogo de Cáceres Abierto, el programa de arte y cultura contemporánea fruto de la primera (y única) convocatoria pública sacada a concurso por la Junta de Extremadura para el diseño y comisariado de su principal evento de arte contemporáneo.

Esta primavera debería haberse celebrado la que fuese la quinta edición bianual del programa; no obstante, la decisión política de cancelar el proyecto hace que el programa afronte, de forma independiente, las consecuentes labores de archivo que, por ahora, encuentra sus primeros apoyos fuera de la región. Si el pasado noviembre se preestrenaba el documental de María Pérez Sanz en Buenos Aires, el catálogo ha sido presentado en Portugal en marzo, mientras se prepara una primera exposición en Argentina, el próximo otoño, dentro de la programación del CCEBA.

A modo de cierre del presente curso editorial de la revista, compartimos íntegro y en dos capítulos, el texto correspondiente al último catálogo de Cáceres Abierto, donde se relata cómo se fraguó todo. Pasen y lean:

Estado de la cuestión 2016/2024
Puede que la inercia de los últimos ocho años divididos en cuatro ediciones nos haya empujado, sin saberlo, a dar por hecho que todo el mundo sabía qué era Cáceres Abierto. Tal vez no sea tan de dominio público como se quería creer el singular funcionamiento de un programa de arte contemporáneo como este, ni su razón de ser.

Quizá no todes sepan que cada edición se inicia con más de un año de antelación y que implica a un gran número de personas; que la fórmula de bienal no es un capricho esnobista por reflejar el brillo de otros macro eventos de artes visuales, sino que es la única vía factible en tiempo y recursos para llevarlo a cabo en regiones como la nuestra.

A lo mejor, no muches sepan que es en el verano anterior a su celebración cuando comienzan ya las primeras visitas y encuentros entre artistas y equipo, con les principales agentes culturales, educativos, sociales y civiles del territorio; reuniones que se repiten a lo largo de los meses, con el objetivo de diseñar una programación específica, según los cimientos sobre las que se erige este proyecto de arte público, definido por Lucy Lippard como “cualquier tipo de obra de libre acceso que se preocupa, desafía, implica y tiene en cuenta la opinión del público para quien o con quien ha sido realizada, respetando a la comunidad y al medio”.¹

Un posicionamiento férreo del lado de una cultura para todes, ajeno a la perspectiva dominante de un arte autocomplaciente y desde la responsabilidad de una inversión pública para con sus ciudadanes, lo que, lógicamente, desemboca en el debate como herramienta de progreso.

Así, a lo largo de estas cuatro ediciones, el programa de arte público de la Junta de Extremadura ha ido evolucionando hacia un diálogo más intenso, complejo y concreto entre los nuevos procesos del arte contemporáneo y las diferentes esferas que componen la sociedad de acogida. Mientras que las primeras ediciones moldearon intención y proactividad por parte de una ciudadanía acostumbrada, hasta entonces, a eventos artísticos endogámicos propios del circuito comercial, las siguientes citas pudieron enriquecer el intercambio apoyado en las bases sentadas por el comisario y responsable del proyecto original, Jorge Díez con las dos anteriores, apuntalando un proyecto sólido, pionero en la región y único en el país. Hecho que se materializó gracias a la apuesta que suponía el primer concurso público lanzado por parte de la Secretaría General de Cultura de la Junta de Extremadura en la región, allá por 2016, para un evento de estas características. Una declaración de intenciones en favor de la transparencia y la implantación de las buenas prácticas.

La tercera edición, con su correspondiente relevo en el comisariado refrendado por la comisión asesora,² pudo profundizar en cuestiones más específicas del territorio, donde la interlocución con la ciudadanía se intensificó hasta el punto de establecer una necesaria relación reactiva entre cultura pública y población, llevando el debate a acciones directas de la ciudadanía que acaban por certificar un diálogo real, convenientemente recogido en el catálogo de 2021. Situación solo factible en el espacio público compartido que permite un diálogo horizontal, ratificado por el mayor número de organizaciones y agentes locales colaboradores hasta la fecha.

Por último, la edición correspondiente a 2023 sumó a todas estas relaciones un nuevo intercambio, en este caso por parte de instituciones y estamentos políticos, en ocasiones desde la fricción por su intencionada incursión en terrenos artísticos y programáticos ajenos, pero que confirmaba a la vez la relevancia adquirida por este evento en todas las esferas, a lo largo de su historia. Por otra parte, esto obligó a adelantar algunos debates al fuero interno, antes incluso de su puesta a disposición en el espacio público, lo que, en parte, desequilibraba el debate, aunque mantenía la esencia de una relación reactiva como germen de una cultura realmente transformadora; no obstante, al ser así, perdía la horizontalidad que otorga la calle y en última instancia desenfocó la razón de ser original de Cáceres Abierto: todo aquello que se dio por hecho.

Como resultado, la que por ahora viene siendo la última edición (convenientemente explicada en este libro), que parece haber conseguido apelar a todas las esferas que componen la sociedad de acogida, como senda para que la cultura pública sea honesta y comprometida con su territorio. El resto, como diría Lippard, “es obra privada, no importa lo grande o expuesta o molesta que sea, o lo muy de moda que esté”.³

Utopismo, colapso y reconstrucción
Esta edición planteó como punto de partida argumental la denominada ‘Ideología Californiana’ (The Californian Ideology), un artículo escrito por dos profesores de la Westminster University Richard,⁴ el cual, a modo de ensayo, preconizaba ya la quimera que suponía ese internet emancipador del cambio de milenio, actualizando el concepto de utopismo tecnológico tan arraigado a Extremadura y que acabaría regurgitado por el sistema: “En la utopía digital todos seremos alegres y ricos”.⁵

Tanto es así que, a principios del siglo XXI, la administración pública extremeña decidió abandonar las tecnologías de origen privativo y trasladar su infraestructura digital a software de código abierto, para adscribirse a la cultura open source, desafiar a la industria informática privada y erigirse como ejemplo internacional de la revolución tecnológica y del conocimiento que prometía la world wide web. Una década después, el propio gobierno autonómico, tras un cambio en sus filas, alentó de nuevo la entrada del software privativo en la administración pública. En mayo de 2024, la región rompía de forma definitiva con la obligatoriedad gubernamental de uso de software de código abierto. Esta acción consumaba el fracaso ‘glocal’ de la utopía tecnológica y el éxito de aquel ensayo publicado en Inglaterra de los años 90.

Esto, lejos de aparecer como un hecho aislado, se revela como sintomático de la historia reciente de los territorios periféricos. Una situación extrapolable a las habituales promesas de industrialización, comunicaciones, empleo, riqueza… propias de estas zonas alejadas de los centros económicos y constatable con ejemplos concretos del contexto local, tales como la ausencia de un tren digno, la turistificación, la nueva minería, los macro proyectos religiosos o la privatización del patrimonio en favor de intereses privados (resorts turísticos, rodajes…) entre otros, cayendo en una barrena utopista que libere a la periferia de sí misma. Caldo de cultivo del que emergen debates latentes en la ciudadanía en torno a una realidad fruto de estas distensiones entre núcleo y periferia. Esta lectura fijó, por tanto, el punto de partida sobre el que construir la cuarta edición de Cáceres Abierto.

El evento afrontaba así su primera cita post pandemia, recogiendo las conclusiones de la anterior y actuando en consecuencia, tanto a nivel organizativo como conceptual, para recuperar una relación directa con la ciudadanía, sin las restricciones sociales derivadas del confinamiento.

Partiendo de las premisas originales del proyecto acerca de la especificidad de las intervenciones contextuales en el espacio público, la edición planteaba unas líneas argumentales que marcaron el grupo de artistas participantes. La construcción teórica se apoyaba originalmente en aquel concepto lanzado a modo de propuesta y que enlaza con la realidad local, utopismo (con artistas como Lola Zoido o MawatreS repensando tecnología y monumento respectivamente) y su consecuente frustración que nos conecta, por tanto, con uno de los términos post pandemia más representativos, colapso (Santiago Morilla y el ecocolapso, Núria Güell y el colapso económico o Alonso Gil sobre la poética de ambos) como otro de los elementos a trabajar y que condicionaron la programación.

Por último, como elemento unificador, se planteaba la noción de reconstrucción (la reconstrucción de suelo público de Lara Ruiz o la transformación del pavimento de tránsito en espacio verde para ‘estar’ de Fernanda Fragateiro), casi de obligado desenlace desde las dos ideas anotadas arriba y cuyo reencuentro entendemos en el espacio público compartido (terreno fértil para MaisMenos). En definitiva, activar el espacio público a través de esos tres tags (utopismo, colapso y reconstrucción) sostenían la estructura teórica de esta última edición de Cáceres Abierto, sobre la que desplegar el trabajo de campo que acabaría por cerrar las intervenciones.

La evolución de estos procesos de base teórica, al contacto con los escenarios prácticos del contexto, tales como la circunstancial coincidencia con periodo electoral, las restricciones de espacios públicos reservado para actividades privadas o el impedimento de compartir espacios públicos con puntuales itinerarios religiosos, terminó por resignificar varias de las intervenciones, de forma voluntaria u obligada, en función de cada caso, desarrollados a continuación.

Continuará…

1 Lippard, Lucy. ‘Looking Around: Where We Are, Where We Could Be’, en Suzanne Lacy (ed.), Mapping the Terrain. New Genre Public Art, Bay Press, Seattle, 1995, pp. 114-130

2 A partir de la comisión formada para el concurso público original convocado el 6 de octubre de 2016 se genera una comisión asesora destinada a velar por el cumplimiento de los objetivos y las buenas prácticas en las diferentes ediciones de Cáceres Abierto. A ella se sumarían los comisarios salientes, que deben rotar cada dos ediciones, pasando a dirigir el nuevo proyecto curatorial el que fuera comisario asociado con anterioridad

3 Ibid

4 Barbrook, Richard; Cameron, Andy. (1996) ‘The Californian Ideology’. Science as Culture 6.1 (1996): 44–72

5 Ibid

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