El Ayuntamiento de Barbaño ha entregado la segunda edición de los Premios Luz, una iniciativa destinada a reconocer trayectorias y proyectos vinculados con la memoria, el patrimonio, la educación y el desarrollo de los pueblos de colonización.

En esta ocasión han recibido los galardones la arquitecta María Ángeles López Amado en la categoría Trayectoria Personal, por su impulso a la Estrategia Socioeconómica y Cultural de los Pueblos de Colonización de Extremadura; el estudio Creativa Arquitectos de Don Benito, en concreto el Premio a la Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural, por su trabajo en la rehabilitación y puesta en valor de la arquitectura de los pueblos de colonización; y el colegio Adolfo Díaz Ambrona de Valdelacalzada, en la categoría Iniciativa Educativa y Comunitaria, por el proyecto ‘Valdelacalzada, la perla del Plan Badajoz’, centrado en recuperar la memoria de la colonización mediante una iniciativa pedagógica de carácter intergeneracional.

En su intervención, el alcalde de Barbaño, Sergio Tena, señaló que los Premios Luz surgieron para reivindicar “el inmenso patrimonio humano, cultural, arquitectónico y social que representan los pueblos de colonización”.

Por su parte, el decano del Colegio Oficial de Arquitectos de Extremadura, Manuel Cabalgante, defendió la protección de los valores culturales de estos pueblos y la preservación de una arquitectura que considera “aún poco conocida y reconocida”, pese a su relación con la sostenibilidad y el entorno.

El vicepresidente primero de la Diputación de Badajoz, Juan María Delfa, destacó que los galardones se consolidan como una herramienta para reconocer el legado histórico, cultural y social de estas localidades, así como el trabajo realizado en favor de su memoria y de su progreso socioeconómico.

La directora general de Administración Local de la Junta de Extremadura, Ana María Cancho, afirmó que los pueblos de colonización “tienen una historia, tienen presente y tienen futuro”, y subrayó la importancia de difundir su legado para evitar que caiga en el olvido.

Finalmente, el diputado por Badajoz en el Congreso Juan Antonio González reivindicó el esfuerzo de las primeras familias colonas y destacó el papel de las mujeres y de los docentes en el desarrollo de estas comunidades.

La segunda edición de los Premios Luz incluyó la proyección del documental ‘Maestras y maestros de los pueblos de colonización’, y fueron homenajeados Luis Alarcón y María del Carmen Valle, maestros en Barbaño durante 34 años, y Laureano Moya, que ejerció durante 33 años en Alcazaba, Pueblonuevo del Guadiana y Guadiana.

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El artista placentino Emiliano José, residente en Cáceres, ha publicado su primer sencillo, ‘La encina’, una canción disponible en plataformas digitales que combina música de raíz y sonidos urbanos para cantar al amor entre dos hombres y reivindicar la identidad extremeña a través de la dehesa, la encina y el uso del castellano junto a la fala.

El tema sitúa su historia en un pueblo extremeño durante las fiestas de verano. La canción relata el enamoramiento entre dos chicos en un entorno rural, con referencias a camisas blancas, encinas y al calor de agosto. La propuesta presenta esa relación desde la naturalidad, sin dramatizarla, y plantea el amor entre dos hombres como una historia cotidiana y digna de ser cantada.

Uno de los elementos centrales de ‘La encina’ es la presencia de la fala, lengua romance minoritaria del Valle de Xálima, en el norte de la provincia de Cáceres. La canción incorpora palabras de esta lengua y las combina con el castellano, reflejando la convivencia lingüística que se produce en esta zona del norte extremeño.

Emiliano José plantea esta mezcla como una forma de visibilizar una parte de la identidad cultural extremeña que rara vez aparece en la música contemporánea. El artista señala que quería retratar a alguien que no elige entre sus lenguas, sino que las utiliza a la vez porque forman parte de su identidad.

“La fala no está en peligro porque nadie la hable, está en peligro porque nadie la escucha fuera del valle”, afirma el artista, que defiende que hacerla sonar en una canción es una manera de recordar que existe y que forma parte del patrimonio lingüístico de Extremadura.

El título del sencillo toma como referencia la encina, árbol característico de la dehesa extremeña. En la canción, este elemento funciona como símbolo del territorio y como espacio íntimo donde se encuentran los protagonistas de la historia.

‘La encina’ supone el debut musical de Emiliano José. Su propuesta parte de la música de raíz, pero incorpora una producción actual con elementos urbanos. El resultado es una canción que vincula territorio, lengua, diversidad afectiva y memoria rural.

El sencillo está disponible en plataformas digitales como Spotify, Apple Music, YouTube Music y Amazon Music.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con Emiliano José sobre su debut en la música.

¿Cómo nace ‘La encina’?
La historia de la canción ya estaba ahí. Quería hablar de dos chicos que se enamoran en las fiestas de un pueblo, pero sentía que todavía le faltaba algo. Me preguntaba cómo conseguir que quien la escuchara pudiera trasladarse de verdad a Extremadura, que no solo entendiera la historia, sino que sintiera el paisaje, la forma de hablar y la identidad del lugar.

Entonces me vino una imagen que llevaba años guardando. Tengo unos amigos, Jorge y Patri, y sus hijas, Vera y Candela. Jorge es de Valverde del Fresno y siempre me quedaba embobado escuchando a las niñas hablar con él; les hablaba en fala y ellas le respondían mezclando castellano y fala con una naturalidad y una musicalidad que me parecían preciosas.

Ahí entendí que esa era la pieza que le faltaba a la canción. No quería que la Fala apareciera como una curiosidad, sino como parte de la vida cotidiana de quien protagoniza la historia. Jorge me ayudó a transcribir las partes en fala y, de alguna manera, la canción terminó encontrando su propia voz. Creo que fue entonces cuando ‘La encina’ dejó de ser solo una historia de amor y empezó a sonar realmente a Extremadura.

¿Qué importancia tiene para ti situar una historia de amor diversa en un contexto rural extremeño?
Tiene toda la importancia, porque estoy escribiendo desde mi propia identidad. Soy extremeño y soy gay. Durante mucho tiempo he escuchado canciones de amor preciosas, pero muy pocas hablaban de alguien como yo y, menos aún, en un paisaje que también siento como mío.

Con ‘La encina’ no quería hacer una canción sobre la diferencia, sino una canción donde esa diferencia no necesitara explicarse. Quería que dos chicos pudieran enamorarse en las fiestas de un pueblo extremeño con la misma naturalidad con la que tantas canciones han contado historias entre un chico y una chica. A veces parece que las historias diversas solo pueden suceder en las grandes ciudades, y eso no es verdad. En nuestros pueblos también hay amor, deseo, primeros besos y recuerdos que merecen ser cantados. Con esta canción quería aportar una de esas historias. Me parecía bonito aportar esa mirada y hacerlo desde la ternura.

La encina es uno de los símbolos más reconocibles de la dehesa extremeña. ¿Qué representa dentro de la canción?
La encina representa refugio y hogar. En la canción es el punto de encuentro de los protagonistas. Es un árbol que lleva siglos formando parte del paisaje extremeño y me gustaba pensar que ha sido testigo silencioso de miles de historias de amor. Para mí también simboliza las raíces.

He tenido la suerte de que mi padre y mi madre, mis abuelos y abuelas, también mis tías, me han enseñado a amar mi tierra y todo lo que simboliza la identidad extremeña. He sentido la necesidad de trasladar lo que quiero contar al contexto y entorno que conozco y del que me siento profundamente orgulloso. La encina, forma parte del ideario extremeño y quería que, también, solo con el título de la canción, la gente pudiera trasladarse a un entorno concreto, a Extremadura.

‘La encina’ mezcla castellano y fala. ¿Cómo trabajaste ese equilibrio para que las dos lenguas convivieran de forma natural en la canción?
No quería que la fala apareciera como un adorno o como una curiosidad. Quería que sonara igual que la escuché por primera vez: mezclándose con el castellano de forma espontánea. Esa fue la inspiración desde el principio. Escuchar a Vera y Candela hablar con su padre me hizo entender que no estaban eligiendo una lengua u otra; simplemente utilizaban las dos porque forman parte de su identidad. Quise trasladar exactamente eso a la canción. El protagonista habla en fala porque es su lengua, y cambia al castellano porque también forma parte de él y porque quiere que quien llega de fuera pueda entenderle. Jorge me ayudó durante todo el proceso para que esa mezcla fuera auténtica y respetuosa con la realidad del Val de Xálima.

‘La encina’ combina música de raíz extremeña con una producción más actual. ¿Cómo encontraste el equilibrio entre tradición y sonido contemporáneo?
Siempre he sentido que la tradición no tiene por qué quedarse congelada en el pasado. Me gusta la música de raíz, pero también escucho mucha música actual. No quería hacer una recreación folclórica, sino una canción que pudiera convivir en una lista de reproducción de hoy sin que dejara de sonar a la raíz. Creo que la tradición sigue viva cuando dialoga con el presente. Por eso hay guitarras, percusiones y elementos que evocan Extremadura, pero envueltos en una producción contemporánea que a mi parecer la hace más atractiva, pero sin renunciar a su esencia.

¿Crees que Extremadura necesita más canciones que hablen de sus lenguas, sus pueblos y sus formas de vivir?
Sí, creo que es muy importante visibilizar nuestras identidades extremeñas (hablo en plural porque considero que somos tierra de una gran diversidad). Creo firmemente que la música también construye memoria e identidad, y es una muy buena herramienta para fomentarla. Tenemos un patrimonio cultural enorme y, sin embargo, muchas veces apenas aparece en la música contemporánea. No creo que haya que hablar de Extremadura por obligación, pero sí me gustaría que hubiera más artistas que sintieran que pueden hacerlo desde una mirada actual y personal.

En mi caso, utilizar la fala era también una manera de darle un pequeño espacio a una lengua que muy pocas veces se escucha fuera del Val de Xálima. Desde que lanzara el tema he recibido muchos mensajes preciosos, pero sin duda los que más me entusiasman son los de las personas que se interesan por conocer más sobre la fala. Me ha sorprendido, que han sido muchos extremeños quienes se han sorprendido al desconocer la existencia de esta lengua nuestra. Por lo que si una sola persona descubre que existe gracias a esta canción, ya habrá merecido la pena hacerla.

¿Qué reacción te gustaría provocar en alguien de Extremadura que escuche la canción?
Me gustaría que quien la escuchase fuera capaz de reconocer los paisajes, el verano, las fiestas, la manera de hablar y esa mezcla entre tradición y presente que forma parte de nuestra vida. Me gustaría que pudieran transportarse a la dehesa extremeña, que la reconocieran. Me sentiría muy orgulloso también si alguien se reconociera en la historia de amor, si la viviera como propia, si se sintiera identificado con ella.

Y si alguien escucha unas palabras en fala por primera vez y siente curiosidad por conocer esa lengua, también sería un regalo. Ojalá ‘La encina’ haga que algunas personas miren su tierra con un poco más de orgullo y con la sensación de que nuestras historias también merecen ser cantadas. Pero sobre todo, quiero que la disfruten, que celebren con ella. ¡Ojalá suene en algunas verbenas este verano!

¿Qué camino musical quieres seguir en tus próximos proyectos?
Me gustaría seguir escribiendo canciones que hablen de Extremadura, de sus paisajes, de sus pueblos y de las personas que la habitan, pero siempre desde una mirada muy personal. También quiero seguir hablando de historias diversas desde mi propia identidad y mis vivencias. Soy un hombre gay y esa forma de mirar el mundo forma parte de quien soy, así que inevitablemente aparecerá en las canciones que escriba. Me gusta pensar que cuanto más honesto soy al contar una historia, más fácil es que otras personas, sean quienes sean, puedan reconocerse en ella.

En breve, además, tendré la suerte de colaborar con el diseñador extremeño JM.Cruz, que también es mi marido, componiendo la banda sonora de uno de sus desfiles inspirado en el folclore y la identidad extremeña. Es un proyecto que me hace mucha ilusión porque vuelve a unir dos maneras de entender la creación con un mismo punto de partida: nuestras raíces y el deseo de reinterpretarlas desde el presente.

Ojalá ese sea el camino de todo lo que venga después; seguir creando desde la honestidad, dando espacio a historias diversas y demostrando que Extremadura tiene un imaginario inmenso que todavía queda por cantar.

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Chambao actuará el sábado 1 de agosto en el Recinto Ferial de Miajadas, dentro de la programación musical de la Feria de Agosto 2026 y en el marco de la gira con la que el proyecto liderado por ‘La Mari’ celebra sus 25 años de trayectoria. 

El concierto permitirá escuchar en directo algunas de las canciones más reconocidas de Chambao, una formación que ha construido una identidad propia a partir de la fusión de flamenco, sonidos electrónicos y música chill. La actuación se enmarca en una etapa conmemorativa para el grupo, que celebra un cuarto de siglo de recorrido musical.

La gira coincide con el lanzamiento del disco ‘Chambao 25 Aniversario’ publicado el pasado mes de marzo, formado por 25 canciones y concebido como un homenaje a su público, a su historia y a las personas que han formado parte de su trayectoria. El álbum incluye nuevas versiones de temas representativos del grupo y colaboraciones con artistas como Estopa, Malú, Rosario Flores, Pablo Alborán, Joan Manuel Serrat, Ricky Martin, Alejandro Sanz, Camilo y Vanesa Martín, entre otros.

A lo largo de su trayectoria, Chambao ha logrado una amplia proyección nacional e internacional, con reconocimientos como discos de platino, premios Ondas, la Medalla de Andalucía y nominaciones a los Latin Grammy. Su repertorio incluye temas como ‘Ahí estás tú’, ‘Pokito a poko’, ‘Papeles mojados’ o ‘Duende del sur’.

La actuación de Miajadas forma parte de la programación musical de la Feria de Agosto 2026. La noche del 1 de agosto también contará con la actuación de ‘Depol’. En los días posteriores, la feria incluirá otras propuestas musicales como el Festival Superlatino 2000, un tributo a Extremoduro, actuaciones en la Feria de Día y un concierto de Rosa López.

‘La Mari’, nombre artístico de María del Mar Rodríguez Carnero, es la compositora, vocalista y alma creativa de Chambao. Desde finales de los años 90 el proyecto ha desarrollado una propuesta musical reconocible dentro de la música en español, con canciones que han acompañado a varias generaciones. Hablamos con ella antes del concierto.

Chambao celebra 25 años de trayectoria. ¿Qué siente al mirar hacia atrás y qué balance hace de este camino?
Mirar para atrás con una canción inédita, que abandera el proyecto del aniversario que se llama ‘Es para ti’, con el agradecimiento de lo vivido de tantas experiencias que me han enseñado un montón de cosas. Poder vivir en mi vida de esta manera dedicada a la música ha sido algo inesperado, aunque la música ha estado en mi vida siempre de una manera natural.

Este disco se plantea como un homenaje al público y a todas las personas que han acompañado a Chambao durante este tiempo. ¿Qué le ha enseñado el público durante estos 25 años?
El público siempre me enseña la fortuna que tenemos de  poder hacer conciertos. La música está más que probado que ayuda a recuperarse de enfermedades y a mejorar el estado anímico. Y como esa medicina que es, imaginate estar 25 años tanto haciéndola como recibiendola. Para mí el público lo que me enseña una y otra vez es la gratitud.

En este álbum de aniversario Chambao revisita parte de su repertorio junto a artistas de distintas generaciones y estilos. ¿Hay alguna colaboración del disco que le haya hecho especial ilusión?
Especial ilusión me han hecho todas, no podría elegir. Cada una de ellas me han aportado algo súper especial.

Chambao creó un sonido muy reconocible, el flamenco chill. ¿Cómo se mantiene viva esa esencia sin dejar de evolucionar?
Ese término ‘flamenco chill’, que se ha quedado como apellido de Chambao, lo acuñó el primer productor de las canciones de Chambao, Henrik Takkenberg. Realmente esto viene cuando firmamos un contrato con la discográfica Sony Music y nos preguntaron qué hacíamos, qué estilo teníamos. Mis antiguos compañeros, Daniel y yo solamente podíamos decir que era fusión. Y fue cuando Henrik dijo que éramos ‘flamenco chill’ y les encantó. Les ayudaba a crear una estantería donde poder poner a Chambao, porque no era flamenco, no era electrónica, era como decíamos una fusión. 

Yo realmente no me atribuyo que hayamos creado nada, porque está todo inventado; la música es realmente una mezcla de matemáticas, poesía y emociones, y según las combines salen unas propuestas u otras.

A mí me gusta muchísimo la fusión, mezclar. Málaga es una ciudad bastante cosmopolita en este aspecto musicalmente, ya que tiene sus raíces tanto en el flamenco como en la copla, la música malagueña popular y también tiene muchísima música que desde hace siglos, por el puerto natural que tenemos, ha entrado más que por el aeropuerto. Es algo natural que exista ese tipo de mezcla en Málaga.

‘Papeles mojados’ continúa teniendo una lectura social muy actual. ¿Qué siente cuando una canción permanece vigente tanto tiempo después?
Me gustaría que no estuviera vigente porque significaría que realmente se ha adoptado una postura de responsabilidad ante este desastre sociopolítico. Siento que se debería solucionar.

En estos 25 años, Chambao ha pasado por distintas etapas personales y musicales. ¿En qué momento artístico se encuentra ahora?
En un momento artístico de celebrar el aniversario, un momento dulce y tierno de recoger el merecimiento, el cariño, el respeto en mi carrera. Quiero seguir haciendo música, sigo curioseando y dentro de un tiempecito vendrá un disco nuevo.

Si tuviera que elegir una canción de Chambao que explique quién representa a ‘La Mari’ hoy, ¿Cuál sería?
Podría ser ‘Es para ti’, una canción de agradecimiento a lo que hago durante el tiempo que lo he hecho y ahora es como una continuidad. A nivel de letra, música y voz podría ser esta.

¿Qué canción del repertorio le sigue removiendo por dentro cada vez que la canta en directo?
Me revuelven todas, de la primera a la última.

En estos años han cambiado la música, la industria y la forma de escuchar canciones. ¿Qué cree que no ha cambiado en la manera de conectar de Chambao con el público?
Diría que los directos. Los conciertos siguen siendo una manera de conectar, una persona te elige para que en ese momento sea tu cobijo, pilla su entrada, se pone delante, te escucha y disfruta. Eso es lo más puro. No cambia en años.

Chambao ha conectado siempre con una idea de emoción, calma y libertad. ¿Cree que ese mensaje es todavía más necesario en el momento actual?
En el momento actual yo creo que es necesario todo. Es necesario el amor, en sentido de compañerismo de grupo. Corren tiempos de mucha individualidad, y eso te hace, a veces, un poco, hasta perder la esperanza, estar en solitario, digamos no compartirte. En los tiempos que estamos viviendo ahora, depende del día, no soy partidaria de generalizar, como sociedad hay de todo.

Más bien, buscar la felicidad, como acto de rebeldía, no estar como los borregos de “come, duerme y ve a trabajar”; buscar tus momentos de ocio, de disfrute, de estar con gente y disfrutar de la vida o hacer algo que te apetezca o simplemente no hacer nada.

Después de mirar atrás con este disco y esta gira, ¿Qué etapa se abre ahora para Chambao?
La etapa que viene ahora es de disfrute, de este 25 aniversario, un momento bastante dulce.  Y más adelante un posible disco.

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El Mercado de Abastos de Zafra ha acogido el acto de entrega de galardones del Torneo fotográfico ‘De la Luna al fuego’ 2026, organizado por el Centro de Iniciativas Turísticas de Zafra con la colaboración de ‘Por amor al arte’ y el Consejo de la Juventud de Zafra, y al que se presentaron 48 imágenes de 12 participantes de entre 11 y 66 años.

Los responsables del certamen han destacado que las nuevas bases han permitido una mayor diversidad de miradas sobre la fiesta y han contribuido a consolidarlo como una de las citas culturales fundamentales de la festividad ‘De la Luna al fuego’.

Las tres categorías del concurso planteaban enfoques diferentes sobre la fotografía. ‘Color protagonista’ valoraba el peso de un color concreto en la composición; ‘Formas y Figuras’ se centraba en siluetas, geometrías y estructuras visuales; y ‘Blanco y negro’ buscaba potenciar la emoción, la narrativa y el trabajo de luces y sombras.

El jurado estuvo integrado por representantes de las tres entidades organizadoras, fotógrafos profesionales y representación municipal. Para seleccionar las obras ganadoras se valoró el cumplimiento de las premisas establecidas para cada categoría, así como la creatividad y la sensibilidad visual de las imágenes.

En la categoría ‘Color protagonista’ el primer premio fue para ‘Danzantes azules’, de Isidro Mel Suárez Morillo, mientras que el segundo premio recayó en ’Destellos en la penumbra’, de Nuria Calero Albujar.

En la categoría ‘Formas y Figuras’, el primer premio fue para ‘Diálogo de siluetas’, de Daniel Gragera Ledesma, y el segundo premio para ‘La figura sobre el tiempo’, de Nuria Calero Albujar.

En ‘Blanco y Negro’ el jurado concedió el primer premio a ‘El legado de Ruy López’, de Daniel Gragera Ledesma, y el segundo premio a ‘Se coló la Mona Lisa’, de Isidro Mel Suárez Morillo.

Las bases de este año también incluían como novedad la supresión de la distinción por edades, pero al participar el Consejo de la Juventud en la organización del certamen se incluyó el Premio Joven para fotografías presentadas por menores de 18 años. En esta edición, el reconocimiento fue para ‘Los demonios rojos’, de Francisco de Asís Gragera Suárez.

También se ha mantenido el Premio del Voto Popular, elegido a través del enlace compartido en redes sociales por las entidades promotoras. La imagen más votada fue ‘Diálogo de siluetas’, de Daniel Gragera Ledesma.

Este certamen está contribuyendo a crear un fondo fotográfico sobre la evolución de la fiesta ‘De la Luna al fuego’. La exposición con las obras seleccionadas puede visitarse en el Mercado de Abastos de Zafra hasta el 29 de agosto, de lunes a viernes en horario de mañana.

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El poeta y músico dombenitense Martín Zaramán ha creado en Reikiavik el proyecto ‘Hiel. Sips of gall’, un poemario bilingüe publicado en el pasado mes de junio que reúne 24 textos en español con traducción al inglés. La obra sirve además como base para una adaptación musical planteada en cuatro volúmenes.

El libro aborda temas como el amor, la ausencia, la memoria, el dolor y la esperanza. Su formato bilingüe refleja la trayectoria vital del autor entre distintos países y lenguas, así como la presencia del español y el inglés en su proceso creativo.

La vertiente musical del proyecto comienza con ‘Desgarro y melancolía’, primer volumen publicado bajo el sello Ecos Boreales y disponible en plataformas digitales. El álbum reúne 12 pistas y traslada al formato canción una parte del contenido del poemario. Este primer volumen se centra en el tramo inicial de la obra, vinculado al duelo, la herida emocional, la soledad y la memoria afectiva. La propuesta musical se apoya en la voz y la guitarra, con una sonoridad cercana a la canción de autor, el flamenco y el blues.

La adaptación musical está prevista en cuatro entregas. Tras ‘Desgarro y melancolía’ el proyecto continúa con ‘Refugios de esperanza’, también en español. Posteriormente se publicarán las dos versiones en inglés: ‘Rupture & melancholy’ y ‘Shelters of hope’.

Este poemario supone el debut literario de Martín Zaramán. La obra se estructura en torno a cuatro movimientos emocionales: herida y traición, nostalgia y ausencia, deseo y pasión rota, y refugios de esperanza. Con ‘Hiel. Sips of gall’ parte del poemario como núcleo creativo y se amplía hacia la música mediante una serie de álbumes vinculados a sus textos, con una trayectoria personal marcada por Extremadura, Islandia y otros espacios de su recorrido vital.

Martín Zaramán ha vivido en España, Islandia, Francia y Estados Unidos, un recorrido personal que forma parte del contexto creativo de ‘Hiel. Sips of gall’ y que explica la dimensión bilingüe del libro y de su desarrollo musical. Hablamos con él para conocer mejor su proyecto multidisciplinar.

¿Cómo nace ‘Hiel. Sips of gall’, y en qué momento decide convertir un poemario bilingüe en un proyecto también musical?
‘Hiel’ nace de textos escritos a lo largo de más de 30 años, poemas que fueron acumulándose sin un plan editorial, hasta que llegó el momento de ordenarlos y publicarlos. El libro no es un diario cronológico, sino un arco emocional. La decisión de llevarlo a la música surgió de forma natural, ya que muchos de esos poemas pedían voz y guitarra. No quería que alguien ‘leyera’ el poema encima de una base; quería canciones de verdad. Así nació el sello Ecos Boreales y la adaptación en varios volúmenes.

El libro reúne 24 textos en español con traducción al inglés. ¿Por qué era importante para usted que la obra naciera en dos lenguas?
Porque vivo entre lenguas. El español es la lengua del origen y de la herida; el inglés es la lengua en la que también pienso y en la que Islandia me ha obligado a habitar. No buscaba una traducción mecánica, sino un diálogo entre dos versiones. Que la obra nazca bilingüe es una forma de decir que la experiencia no cabe en un solo idioma.

¿Cómo ha sido el proceso de convertir los poemas al formato canción, y qué aporta la música a los poemas?
El proceso es íntimo y casi artesanal: voz cercana, guitarra cruda, poca ornamentación. Parto del texto y busco la melodía que no lo traicione. La música aporta cuerpo, tiempo y aliento: el poema se queda en la página; la canción ocupa la habitación. También acerca el trabajo a quien quizá no abriría un poemario, pero sí escucha una canción.

Teniendo Extremadura como punto de origen e Islandia como lugar de residencia, ¿Qué influye Extremadura y que aporta Reikiavik en su forma de escribir y de componer?
Nací en Don Benito. Extremadura es la raíz: el pulso, la memoria, cierta sequedad emocional y una forma de sentir muy directa. Islandia aporta profundidad y distancia: el silencio, el paisaje, la soledad del extranjero, y también la claridad para mirar hacia atrás. Desde que vivo en Islandia todo se volvió más profundo. En la música hay raíz andaluza y blues; en la escritura, esa tensión entre el sur que me formó y el norte donde vivo.

La obra se estructura en cuatro movimientos emocionales  ¿Por qué ha escogido esta temática?
Porque el duelo no es una línea recta. Organicé los 24 poemas por tema, no por fecha, en cuatro secciones: ‘Herida y traición‘, ‘Nostalgia y ausencia‘, ‘Deseo y pasión rota‘ y ‘Refugios de esperanza‘. Quería que el lector y quien escuche los discos recorra un arco: del golpe a la posibilidad de seguir.

¿Qué busca qué aporte en quien lea el poemario o escuche los álbumes vinculados a sus textos?
Que alguien se reconozca. No ofrezco consuelo fácil; ofrezco compañía en lo difícil. Si al leer o escuchar alguien siente que su herida también tiene forma, el trabajo ha cumplido.

Después de ‘Desgarro y melancolía’ el proyecto continúa con ‘Refugios de esperanza’. ¿Qué cambio emocional o musical va a encontrar el público en esa segunda entrega?
‘Desgarro y melancolía‘ (Volumen I) es el golpe inicial: traición, celos, soledad, duelo. La segunda entrega, ‘Fusión oscura‘ y ‘Refugios de esperanza‘, se abre hacia el deseo, la memoria y la aceptación. Emocionalmente hay más luz, aunque no ingenua; musicalmente, espero que se note ese paso del desgarro al refugio.

¿Qué otros proyectos literarios o musicales tiene en mente para el futuro?
Completar el ciclo de Ecos Boreales: el Volumen II en español y, después, las versiones en inglés (‘Rupture & melancholy‘ y ‘Shelters of hope‘). También la edición deluxe del libro y, más adelante, el vinilo. Lo esencial es terminar con coherencia lo que ‘Hiel‘ empezó: palabra y canción como una sola obra.

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Javier de Navascués, catedrático de Literatura Hispanoamericana en la Universidad de Navarra, ha publicado ‘Pedro de Valdivia, conquistador de Chile’, una obra editada por Sekotia que recorre la vida del conquistador extremeño, fundador de Santiago de Chile, en la que analiza cómo su figura se ha transformado desde las crónicas del siglo XVI hasta los debates actuales.

El libro aborda la figura de Pedro de Valdivia desde una doble perspectiva. Por un lado, reconstruye su biografía como soldado formado en Europa, capitán que invirtió su fortuna en una empresa incierta y protagonista de la fundación de varias ciudades en territorio americano. Por otro lado, analiza cómo su memoria fue transformándose con el paso del tiempo hasta convertirse en un símbolo histórico, político y cultural en Chile.

Su obra se detiene en episodios clave de su trayectoria, como la conquista de Arauco, la fundación de Santiago de Chile y su muerte en Tucapel. A partir de estos acontecimientos Javier de Navascués analiza también los rastros que Pedro de Valdivia dejó en la cultura y en el espacio público, desde las crónicas y la literatura hasta los monumentos, billetes o nombres de ciudades.

Esa lectura permite abordar a Pedro de Valdivia no solo como personaje histórico, sino también como una figura sometida a interpretaciones cambiantes. Su papel, durante siglos asociado al relato fundacional de Chile, ha sido revisado en el contexto de los debates actuales sobre la conquista, la memoria colonial y la construcción de identidades nacionales.

El libro añade el interés de acercarse a un personaje nacido en Extremadura cuya trayectoria quedó ligada a la historia de América; para ello plantea una mirada sobre Pedro de Valdivia desde su dimensión biográfica, su proyección simbólica y las distintas formas en que ha sido recordado a ambos lados del Atlántico.

Javier de Navascués ha publicado numerosos libros y artículos académicos; ha sido profesor visitante en universidades de Europa y América; además, ha recibido el Premio Juan Rulfo de ensayo otorgado por la Unesco y es miembro de la Real Academia Hispanoamericana. Hemos tenido la oportunidad de hablar con él para conocer mejor su nueva publicación.

¿Qué le llevó a centrar este libro en Pedro de Valdivia y no en otro personaje histórico?
Siempre me llamó la atención el alto lugar que la memoria oficial en Chile ha reservado a Valdivia. Esto rompía los esquemas sobre los lugares comunes que se tienen sobre los conquistadores en América. Creo que este fue el primer motivo de mi curiosidad, al que quizá haya que añadir mi costado materno de sangre extremeña. Me llamó la atención también que el máximo representante de la épica culta en castellano, ‘La Araucana’ de Alonso de Ercilla, ningunease la figura de Valdivia. Esto tampoco me encajaba, más que nada por ignorancia mía. Así que quise saber más sobre el personaje y sobre el mito que circuló en torno a él. Finalmente, me movió el hecho de que hay biografías solventes sobre Cortés o Pizarro, pero no tantas sobre Valdivia.

¿Qué lugar ocupa este libro dentro de su trayectoria investigadora y de su interés por la América hispánica?
Mi trayectoria investigadora se ha centrado en el siglo XX, pero desde hace más de una década vengo ocupándome preferentemente de la literatura histórica del periodo virreinal. De ahí al estudio de la épica americana y las crónicas de Indias hay un paso. Es un corpus ingente lleno de tesoros por descubrir.

El libro sitúa a Pedro de Valdivia entre la historia y el mito. ¿Dónde termina el personaje histórico y empieza la leyenda?
He tratado de separar el Valdivia histórico del que se ha recreado después. Por eso mi libro empieza con un repaso de las principales referencias biográficas del personaje y sigue con las lecturas interesadas que se hicieron de él. Básicamente hablo de tres mitos: el hispanófilo, el comunista y el feminista, todos ellos pergeñados desde la literatura y las artes visuales en el siglo XX.

¿Cómo ha sido el proceso de documentación del libro y qué fuentes han sido más relevantes para reconstruir la biografía de Pedro de Valdivia y la evolución de su memoria histórica?
Disponemos de tres crónicas contemporáneas de soldados que conocieron personalmente a Valdivia: Alonso Góngora Marmolejo, Pedro Mariño de Lobera y Jerónimo de Vivar. Me he basado en estas tres, muy especialmente en la última, muy poco conocida, pero la que más datos aporta del personaje. Luego están, por supuesto, las cartas que escribió el propio Valdivia; y el material de archivo, principalmente recogido por un gran erudito, José Toribio Medina. Me he basado, sobre todo, en este material. Luego he tenido en cuenta otras crónicas posteriores, el gran poema épico ‘La Araucana’ y todo tipo de libros, desde ensayos sobre escultura a manuales escolares chilenos de historia.

Como catedrático de Literatura Hispanoamericana, ¿Qué aporta la mirada literaria al estudio de un personaje histórico como Pedro de Valdivia?
En primer lugar, la literatura chilena podría decirse que se inaugura con las cartas que el propio Valdivia escribe al emperador, de la misma forma que las letras hispanoamericanas empiezan con las de Colón. Esto quiere decir que la Literatura y la Historia han ido de la mano en la América hispana, del mismo modo que el testimonio político y literario han sido inseparables hasta el siglo XXI. No estoy equiparando las disciplinas, naturalmente, sino haciendo notar que pueden dialogar entre sí, sobre todo cuando se trata de hablar de los mitos que ha generado la memoria histórica, mitos que las novelas, por ejemplo, han contribuido poderosamente a forjar. Pienso, por ejemplo, en la novela ‘Inés del alma mía’, un best seller de Isabel Allende que tiene muchísimas licencias históricas pero que ha engendrado una determinada imagen de los protagonistas de la conquista de Chile (y hasta hoy con una versión televisiva de la misma novela).

Recientemente muchas figuras vinculadas a la conquista han sido revisadas desde nuevas perspectivas. ¿Cómo se debe estudiar hoy a Pedro de Valdivia sin caer ni en la idealización ni en la simplificación?
Gran pregunta. Creo que la respuesta estriba en la lectura atenta del contexto en el que se gestó la conquista, que no era en absoluto el nuestro. Valdivia no era diferente en esto de otros conquistadores. Ellos no se veían a sí mismos como héroes de la nación española, sino como leales súbditos de Su Majestad que merecían del rey una recompensa a la altura de sus méritos. Esta era la tarjeta de visita con la que se presentaban, porque la idea de nación en el siglo XVI se supeditaba a un principio político superior, que era el de la sujeción a la monarquía católica. Eso sí, estos principios políticos heredados de Europa llegaron a chocar con los propios intereses personales de conquistadores y encomenderos. Valdivia murió antes de enfrentarse a la autoridad virreinal (a diferencia de Cortés o de los hermanos Pizarro), porque se encontró con un territorio indómito del que no se podía sacar tanto partido como Perú o Nueva España. De hecho, el sur de Chile nunca se sometió definitivamente al poder español.

¿Ha encontrado diferencias entre la percepción de Pedro de Valdivia en España, en Extremadura concretamente, y en Chile?
Sin duda hay diferencias. En Extremadura Pedro de Valdivia es una figura más dentro de los conquistadores que han otorgado una identidad histórica a la comunidad. En Chile es el padre fundador de la patria desde el discurso oficial que se instaura en la segunda mitad del siglo XIX. ¿Sabía que, a finales del siglo XX, había 12 estatuas de Valdivia repartidas por todo Chile? No se puede decir lo mismo de un solo conquistador en España. Todo esto cambió con el derribo y vandalización de estatuas ocurrido durante el estallido social de 2019. Pero ahora parece que los vientos políticos vuelven a cambiar. De todo esto hablo al final del libro.

Para un lector que no sea especialista en historia, ¿Qué espera que descubra al acercarse a Pedro de Valdivia?
Para mí es fundamental que la Historia se lea desde la amenidad. El rigor no está reñido con la voluntad de estilo. He tratado de escribir un libro entretenido que aproxime la figura de Valdivia a un lector no especializado, pero que a la vez pueda interesar a los historiadores de la cultura.

Después de estudiar su vida y su legado, ¿Qué imagen personal le queda de Pedro de Valdivia?
Es evidente que fue un gran líder; tenía un potente carisma y una capacidad casi sobrehumana de resistencia. Es verdad que triunfó en numerosas escaramuzas, pero él no tiene detrás la toma de un gran imperio; más bien, su hazaña es menos vistosa: resistir durante años en medio de penurias sin cuento, con muy pocos medios, en un espacio hostil y remoto para los medios de que se disponían. Aprendió de los errores de su antecesor Diego de Almagro y, en lugar de llegar a Chile por los Andes, debió atravesar el desierto de Atacama. Era la opción menos mala, pero es fácil imaginar cuánto costó hacerlo.

Ahora bien, no se trataba del personaje inmaculado que cierta iconografía nos haría creer. Era taimado, se movía en un territorio de frontera donde las leyes las dictaba él, aunque a la vez debía simular una obediencia sin límites a la lejanísima autoridad del emperador. Por eso no dudó en aplicar el engaño cuando le convenía, tanto entre los españoles como en los indígenas, a los que trató con notable crueldad en ocasiones. Por cierto, esto último no lo dicen sus enemigos, lo dice el propio Valdivia en carta al emperador después de haber derrotado a los mapuches en Andalién.

De otro lado, como tantos personajes que entran en la Historia por su actuación exterior, nos quedan muchas lagunas ¿Qué hizo, por ejemplo, en Italia en su juventud como soldado? ¿Cuán profunda fue su relación con Inés Suárez? ¿Y con su esposa, Marina Ortiz de Gahete? ¿Tuvo amantes indígenas? ¿Por qué perdonó tantas veces a quienes tramaban contra su vida? ¿Por qué, en cambio, fue tan implacable con otros traidores? Y, sobre todo, ¿cómo murió realmente a manos de sus enemigos? Sobre su muerte circularon múltiples versiones, algunas fantasiosas, como también explico en el libro.

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Las obras ‘La piedra en la cantera’, de Ramón David Morales García, y ‘Toma la casa’, de Ángel Alen Martínez, han ganado el XLIV Premio internacional de pintura Eugenio Hermoso, convocado por la Diputación de Badajoz y el Ayuntamiento de Fregenal de la Sierra, en una edición cuya exposición de obras finalistas, formada por 19 obras de mediano y gran formato, puede visitarse en la Sala Vaquero Poblador de la institución provincial hasta el 22 de agosto.

El premio cuenta con dos modalidades de adquisición, dotadas con 3.000 euros cada una. Las obras ganadoras pasarán a formar parte de la colección de arte que Fregenal de la Sierra ha reunido a lo largo de las distintas ediciones del certamen.

En esta edición han participado 195 autores en una selección previa que la organización considera una de las más destacadas de la trayectoria del premio. La exposición reúne piezas de distintas técnicas, estilos y temáticas, vinculadas al reconocimiento de la figura del pintor frexnense Eugenio Hermoso.

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La cantante extremeña María Burguillos presenta su nuevo single ‘Alza la copa’, una canción con aire de joropo que aborda la superación de una desilusión amorosa y propone brindar por la vida y por nuevas ilusiones.

‘Alza la copa’ se presenta como una composición centrada en el cierre de una etapa sentimental y en la mirada hacia el futuro. Según la propia cantante, el tema plantea que, tras una desilusión amorosa, siempre hay que brindar por la vida, con la promesa de nuevas ilusiones y de un amor mejor

María Burguillos, nombre artístico de María José Burguillos del Valle, es natural de Badajoz y reside en Suiza desde 2012. Su trayectoria comenzó en concursos televisivos de canción, donde fue finalista en programas como ‘Date un respiro’, de Telecinco, y ‘Pasa la vida’, de Televisión Española.

En su discografía figura el álbum ‘Crisol’, publicado en 2021, compuesto por 12 canciones y editado por Sonogrand Music. Posteriormente ha lanzado singles como ‘Cada día’, ‘Lazos de hiedra’, ‘Estar contigo’, ‘Vuela’ y ‘No me vuelvas a querer’, trabajos que muestran una trayectoria vinculada a la canción melódica y a temas de contenido sentimental.

Ahora, con ‘Alza la copa’ incorpora una sonoridad cercana a la ranchera y mantiene una línea temática centrada en la emoción, la experiencia sentimental y la superación personal.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con María Burguillos para profundizar en esta nueva línea artística.

¿Qué quieres contar con ‘Alza la copa’ y qué te gustaría que el público se llevara al escucharla?
‘Alza la copa’ simboliza el éxito, la felicidad y la capacidad de volver a celebrar la vida. Igual que cuando brindamos por un momento especial, esta canción invita a levantar la copa por uno mismo y por todo lo bueno que está por venir. Me gustaría que el público terminara de escucharla con entusiasmo, optimismo y una sonrisa, sintiendo que, después de cualquier decepción, siempre hay motivos para volver a celebrar.

¿Por qué elegiste la ranchera, o mejor dicho el joropo, para hablar de una decepción sentimental o incluso de una ruptura?
Aunque mucha gente la identifica con una ranchera, en realidad es un joropo, con ese aire tan característico. Elegí este estilo porque su ritmo alegre transmite fuerza y entusiasmo. Quería demostrar que incluso una ruptura puede transformarse en un canto a la esperanza y a la superación cuando la música tiene esa energía tan positiva.

El título invita a brindar. ¿Qué simboliza para ti esa copa: cerrar una etapa, celebrar lo vivido o mirar hacia el futuro?
Para mí simboliza, sobre todo, brindar por lo que está por venir. La canción habla de mirar hacia delante con ilusión, convencidos de que siempre nos espera un futuro mejor. Es una invitación a dejar atrás lo que duele y abrirse a nuevas oportunidades.

Tu trayectoria te vincula a la canción melódica y a temas sentimentales. ¿Crees que ‘Alza la copa’ mantiene esa línea o supone un cambio dentro de tu repertorio?
Creo que mantiene perfectamente esa línea emocional que siempre ha caracterizado mi música, aunque desde una nueva perspectiva. Además, con este tema cierro una especie de trilogía formada por una rumba, un bolero y ahora este joropo con aire de ranchera. Me gusta explorar diferentes estilos porque me permiten mostrar mi versatilidad como intérprete sin perder mi esencia.

En ese sentido, a lo largo de tu carrera has pasado por distintos registros y estilos. ¿Qué artistas o referencias musicales han influido más en tu forma de cantar y de entender la música?
He tenido muchas influencias, pero si tuviera que destacar algunas serían ‘Los Panchos’, Luz Casal y Luis Miguel. Cada uno, desde su estilo, me ha enseñado la importancia de interpretar con autenticidad, emoción y respeto por la canción.

En tus canciones suele aparecer una parte emocional muy marcada. ¿Qué peso tienen las experiencias personales en tus letras?
Tienen un peso enorme. Muchas veces aparecen de forma explícita en las letras; y, cuando no es así, siempre están presentes en mi manera de cantar, de interpretar y de transmitir cada palabra. Al final, la emoción es lo que conecta verdaderamente con quien escucha.

¿Sientes que tu música te permite seguir conectada con Extremadura y con tus raíces, aunque resides fuera de España, o que precisamente el hecho de estar lejos de Extremadura te hace mirar tu tierra de otra manera al cantar o elegir tus canciones?
Es una pregunta muy bonita. La distancia hace que uno añore aún más su tierra y sus raíces. Cuando interpreto música vinculada a Extremadura y a España en general la emoción es todavía más intensa, porque siento que una parte de mi hogar viaja conmigo. Además, me considero una embajadora de nuestro repertorio musical y de esa manera tan especial que tenemos de sentir y vivir la música.

¿Tienes previsto acompañar el single con un videoclip o con actuaciones en directo? ¿Nos puedes adelantar tus próximos proyectos artísticos?
De momento no hay un videoclip previsto, aunque me encantaría que fuera una grabación en directo, porque creo que esa energía refleja muy bien la esencia de la canción. Después del verano tengo intención de lanzar un nuevo trabajo con el que espero sorprender a mi público. Además, uno de los proyectos que más ilusión me hace es la gira ‘Directo al bolero’, junto a Caco Senante y Vicente Borland, en la que reinterpretaremos grandes clásicos del bolero con una propuesta fresca, innovadora y muy emocionante.

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El festival itinerante impulsado por la Diputación de Badajoz ‘Músicos en Movimiento’ celebra su undécima edición entre el 25 de julio y el 12 de septiembre de 2026 con veladas programadas en Cabeza del Buey, Talavera la Real, San Vicente de Alcántara, Valverde de Leganés y Almendralejo, con el objetivo de promocionar a bandas y artistas de la provincia y acercar la música en directo a entornos rurales de la provincia.

El vicepresidente de la Diputación de Badajoz Juan María Delfa, ha presentado el festival acompañado por el concejal de Cultura, Formación y Participación Ciudadana del Ayuntamiento de Valverde de Leganés, Guillermo Casquero; el coordinador del programa, Óscar Elías; y en representación de los músicos participantes, David Sánchez, de ‘Regajales’.

Juan María Delfa ha destacado que el proyecto permite que la cultura recorra distintos puntos de la provincia y ha recordado que, tras más de una década de trayectoria, el festival ha superado los 60 conciertos y ha llegado a más de 50 localidades. También ha señalado que esta iniciativa contribuye a la dinamización cultural, económica y turística de los municipios participantes.

Por su parte, Óscar Elías ha explicado que la edición de 2026 mantiene el propósito de poner en valor el directo y la conexión entre artistas y público. También ha señalado que el festival pretende que los músicos vinculados a la provincia puedan actuar en su territorio y que los municipios se sientan identificados con las propuestas que acogen.

El programa incluye este año las actuaciones de 15 bandas y artistas extremeños: ‘Regajales’, ‘The B-Siders’, ‘Libru Mágicu’, ‘Serpentina’, ‘Estanco72’, ‘Iberian Big Band’, ‘Pacombo Latino’, ‘Supertennis’, ‘The Presbicious’, ‘Maritune’, Ismael González, ‘Electric’, ‘Asina Önde’, Sergio Cepeda y ‘The Lucky Mirrors’. Todos los conciertos comienzan a las 22.00 horas.

La primera cita es el 25 de julio en Cabeza del Buey, en el Santuario de Nuestra Señora de Belén, con las actuaciones de ‘Regajales’ y ‘The B-Siders’.

El festival continúa el 1 de agosto en Talavera la Real, en la Plaza de España, con ‘Libru Mágicu’, ‘Serpentina’, ‘Estanco72’ y la ‘Iberian Big Band’.

La programación sigue el 22 de agosto en San Vicente de Alcántara, en el Parque de España, donde actuarán ‘Pacombo Latino’, ‘Supertennis’ y ‘The Presbicious’.

El 7 de septiembre ‘Músicos en Movimiento’ llega a la Plaza de la Constitución de Valverde de Leganés, en el marco de su Noche en Blanco, con ‘Maritune’, Ismael González y ‘Electric’.

La última parada de esta edición es el 12 de septiembre en Almendralejo, en la Plaza de Extremadura, con ‘Asina Önde’, Sergio Cepeda y ‘The Lucky Mirrors’.

La edición de este año incorpora también un homenaje a Gene García, músico vinculado a la escena extremeña y a los primeros años del festival. Con este reconocimiento, ‘Músicos en Movimiento’ recuerda su aportación al desarrollo del proyecto y su contribución a la música en directo en Extremadura.

Este programa nació en 2016 para promocionar la música contemporánea y apoyar a bandas y artistas vinculados a la provincia. Desde entonces se ha consolidado como un circuito itinerante que lleva conciertos en directo a distintos municipios pacenses y refuerza la presencia de la cultura en espacios públicos.

Carolina Barrera

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Hay grupos que simplemente hacen canciones y otros que terminan convirtiéndose, casi sin proponérselo, en un símbolo de su tierra. ‘Sanguijuelas del Guadiana’ pertenece a este segundo grupo. Carlos, Juan y Víctor, tres jóvenes de Casas de Don Pedro, han construido en muy poco tiempo un proyecto musical profundamente ligado a Extremadura y, además, orgulloso de reivindicar esa identidad sin complejos.

Su propuesta resulta difícil de encasillar. En sus canciones conviven la rumba, el rock, el mestizaje y la música popular, siempre con una naturalidad que hace difícil etiquetarlos dentro de un único estilo. Tuve la oportunidad de verlos en directo el pasado otoño y esa fue precisamente una de las sensaciones que me dejaron: una banda que bebe de muchas influencias, pero que ha conseguido encontrar una personalidad propia.

El año 2025 ha supuesto su consolidación definitiva. Han recorrido escenarios de toda España, alternando festivales con pequeñas salas, hasta dar el salto a uno de los escaparates televisivos más importantes del país: ‘La Revuelta’, el programa de David Broncano. Más allá de presentar su música, aprovecharon aquella entrevista para hablar de sus orígenes, de cómo crecieron en un entorno rural y de las oportunidades (pero también las dificultades) que supone vivir en un pueblo de la España interior.

Quizá esa sea una de las claves de su éxito. No esconden sus raíces; al contrario, las convierten en parte de su discurso artístico. Lo hacen recurriendo a elementos que forman parte del imaginario colectivo extremeño: el pendiente con forma de bellota, una imagen gráfica inspirada en los históricos paneles publicitarios de azulejos de Nitrato de Chile (declarados Bien de Interés Cultural en Extremadura) o la reivindicación de manifestaciones populares como la verbena, que da nombre a su actual gira, ‘Verbena en vena’, y de formaciones tan nuestras como las charangas

Durante aquella entrevista en televisión también anunciaron una cita muy especial: el concierto que ofrecerían en Badajoz, una ciudad a la que, con el humor que les caracteriza, definieron como su “lejana capital”. La respuesta del público no tardó en llegar. Las entradas para el primero de los conciertos, previsto para el 25 de julio, se vendieron a buen ritmo, obligando a anunciar una segunda fecha para dar respuesta a la demanda.

De esta forma, los próximos 24 y 25 de julio, ‘Sanguijuelas del Guadiana’ tomará el relevo del Alcazaba Festival para llevar su particular “música de pueblo” a la capital pacense. Un nuevo paso para una banda que ha sabido convertir la identidad extremeña en un lenguaje contemporáneo, demostrando que tradición y modernidad no solo pueden convivir, sino también caminar juntas.

Desde Grada les deseamos toda la suerte en estas dos citas, convencidos de que volverán a demostrar que el patrimonio también puede expresarse con guitarras, humor y canciones capaces de conectar con nuevas generaciones.

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