El estudio de artesanía y cerámica Terracota Mérida, liderado por los hermanos Juan Manuel y Lorenzo Pérez Vinagre, participa en el proyecto ‘Unbreakable 2026’, una exposición multidisciplinar que reúne obras de arte, relatos y piezas audiovisuales en torno a la experiencia de las mujeres en la maternidad, el trabajo científico, el trabajo doméstico no remunerado y el impacto de la menopausia en la carrera profesional.

La muestra, expuesta en la Sala Murillo del Centro Común de Investigación de la Comisión Europea en Sevilla, reflexiona sobre cómo los cuerpos y las vidas de las mujeres conviven con estructuras sociales e institucionales que históricamente han sido diseñadas sin considerar sus necesidades.

En la edición de este año también participa el diseñador extremeño Samuel López-Lago.

Las obras que conforman el proyecto abarcan desde esculturas cerámicas hasta piezas que combinan artesanía y tecnología, traduciendo estadísticas sobre la desigualdad de género en experiencias visuales y tangibles. De este modo, cuestionan el mito de la mujer ‘infalible’ y la expectativa de que se deban asumir simultáneamente responsabilidades laborales y de cuidados sin cambios estructurales en las instituciones.

‘Unbreakable 2026’, la segunda edición del proyecto, pretende abrir un debate sobre la necesidad de políticas más inclusivas, el reconocimiento del trabajo de cuidados y la visibilización de las barreras que aún enfrentan las mujeres en la ciencia y en la sociedad.

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Rosa Bonheur fue pintora pionera y mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera. Fumaba habanos, se cortó el pelo y usaba pantalones.

La influencia de su padre contribuyó a una actitud liberal y a una personalidad que fue considerada desafiante para la época. Nadie se atrevió nunca a juzgarla ni por su aspecto varonil ni por su elección sexual.

Nacida en Burdeos pero crecida en París, tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales, y acabaría convirtiéndose en la más destacada pintora de animales francesa de todos los tiempos.

Influenciada por el realismo, su obra se caracterizó por una meticulosa atención al detalle y una representación precisa de la naturaleza. Su padre, Raimond Bonheur, también fue un pintor y la introdujo en el mundo del arte desde temprana edad. Con tan solo 4 años comenzó a dibujar animales, y se negaba a aprender otra materia en la escuela; solo accedió a leer y escribir, cumplidos los 10 años, cuando su madre inventó un método en el que cada letra del alfabeto estaba representada por un animal.

Tras ser expulsada de varios colegios, la familia comprendió que Rosa solo podía dedicarse a pintar, y en concreto a pintar animales, de lo que fue una completa maestra. Comenzó copiando ilustraciones de libros, hasta que se lanzó a esbozar sus estudios de caballos, ovejas, vacas, cabras, conejos y otras especies domésticas, y acabó yendo a diario a recorrer bosques y prados en busca de animales en libertad. No se conformaba con la perfección anatómica de los animales, sino que quería entender la mecánica de los cuerpos. Visitaba mataderos para estudiar las disecciones, practicarlas ella misma y hacer bocetos a lápiz y carboncillo de cada músculo, nervadura o hueso.

En 1857 obtuvo la autorización de la Policía para aparecer en público vestida con pantalones y no ser molestada mientras trabajaba, ya que frecuentaba las ferias de ganado, donde tomaba apuntes del natural. Cada seis meses acudía a la Prefectura de Policía de París para solicitar la renovación del permiso.

Fue la primera mujer artista en ser condecorada con la Orden de la Legión de Honor, en 1865. Falleció en 1899, con 78 años.

La historia reconoce a pocas mujeres de este período en la posición de autoridad artística que tuvo ella. Rosa Bonheur nunca aguantó a las mujeres que pedían permiso para pensar.

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Colaboración de Gamero Gil para la revista Grada 209, de marzo de 2026.

“El Arte es una necesidad exclusivamente humana que identifica cada periodo de la Historia y que nos rodea incluso en las pequeñas cosas de nuestras vidas, guardando un poder sanador para el espíritu del creador y el espectador…”.

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El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz ha acogido el acto de presentación del número 15 de la revista ‘Suroeste’, promovida por Fundación Ortega y Muñoz, que ha contado con la participación de la patrona de la entidad Catalina Pulido Corrales; el secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino; y el director de la publicación, Antonio Sáez.

En su intervención, Catalina Pulido recalcó la implicación de la Fundación tanto económica, asumiendo la mitad de los gastos de publicación, como aportando ilustraciones; en esta ocasión la revista incluye sendos encartes de Lourdes Murillo y Rui Macedo; además, el apartado ‘Entre viñas y castaños’ permite aumentar la visibilidad de la Fundación.

Por su parte, Antonio Sáez recordó la trayectoria de la revista recopilando obras inéditas de autores ibéricos. De hecho, una de sus características es la publicación de las obras en su lengua original, sin traducción (excepto en el caso de los artículos publicados en euskera), requiriendo un mínimo esfuerzo por parte del lector para disfrutar de la literatura. En este sentido, ponía el acento en el privilegio que supone vivir en la Península Ibérica, y concretamente en Extremadura: “Tenemos a la mano varias lenguas y varias culturas”; también remarcó la riqueza cultural aportada por el medio millar de autores que han pasado por las páginas de la revista, y el hecho de que, con este nuevo número, ha dejado de ser una revista de literatura ibérica para convertirse en una de literatura en lenguas ibéricas.

Respecto al peculiar estilo artístico de las portadas de la publicación, aclaró que la revista nació inspirada en una publicada en los años 30 del siglo pasado en Lisboa, llamada ‘Sudoeste’, obra del gran artista portugués Almada Negreiros. A partir de ahí el artista pacense Luis Costillo imprimió su sello aplicando tipografías y teselas en las portadas de la revista, y actualmente un colaborador suyo continúa el trabajo de diseño.

Finalmente, Francisco Palomino felicitó al equipo que hace posible la creación y publicación de la revista, destacando que funciona como “una plaza pública, una plaza de debate y abierta” para autores ibéricos y más allá de la península ibérica.

Ángel Andújar

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El artista cacereño ‘Casalontana’, alter ego del creador multidisciplinar Hernán Pacheco Puig, ha iniciado una nueva etapa en su trayectoria al firmar un acuerdo de representación oficial con la Gallery Anderson Smith de Atlanta, uno de los espacios más activos de la escena contemporánea del sur de Estados Unidos.

La operación sitúa al arte extremeño en un escaparate de alta visibilidad internacional en un año en el que la ciudad se prepara para ser una de las sedes principales del Mundial de Fútbol, con una intensa programación cultural paralela.

Desde el punto de vista artístico, la llegada de ‘Casalontana’ a Atlanta se enmarca en una línea de programación centrada en el diálogo entre culturas y lenguajes contemporáneos que la Gallery Anderson Smith ha desarrollado con artistas locales e internacionales, y que ahora refuerza con la incorporación de creadores europeos.

El trabajo de Hernán Pacheco Puig se caracteriza por una investigación constante sobre la gráfica, la pintura, el objeto encontrado y la experimentación formal, y ha sido mostrado en diversos proyectos expositivos y retrospectivas en espacios institucionales españoles.

El artista afronta este salto transatlántico con una clara vocación de defensa de la cultura extremeña y española, entendida como una identidad viva y proyectiva más que como un repertorio estático. “Es un honor y, a la vez, una gran responsabilidad llevar mi visión a una sede tan relevante. Trabajar desde Cáceres permite curiosamente una introspección que luego resuena con fuerza en lugares tan dinámicos como Atlanta. Me siento muy afortunado de poder representar el pulso creativo desde nuestra región en un año tan estratégico para Estados Unidos”, ha afirmado.

‘Casalontana’ acumula 25 años de creación marcados por el inconformismo y la voluntad de “ir a donde no se sabe por donde no se sabe”, asumiendo riesgos formales y conceptuales. A lo largo de este recorrido, su búsqueda de independencia le ha llevado a compaginar la práctica artística con labores de docencia e investigación y con el ejercicio de la abogacía, con una actitud renacentista poco frecuente en un contexto dominado por la hiperespecialización.

Especialistas en inversión y en el mercado del arte señalan que el valor de ‘Casalontana’ reside en esa renuncia a la comodidad de fórmulas consolidadas para avanzar hacia una vanguardia honesta, sostenida en el tiempo y ajena a modas efímeras. Para los coleccionistas y el público general su firma se percibe como una apuesta por la autenticidad, la reflexión crítica y la experimentación orgánica, atributos especialmente apreciados en un momento en que la circulación global de obras se acelera y se busca distinguir propuestas verdaderamente singulares.

La llegada de ‘Casalontana’ a la Gallery Anderson Smith supone, además, un puente simbólico entre Cáceres y uno de los epicentros culturales del próximo Mundial de Fútbol, donde se espera un fuerte incremento de visitantes internacionales y una gran actividad económica vinculada a la cultura, el diseño y las industrias creativas.

En este contexto, la presencia del artista extremeño contribuye a posicionar a Extremadura en el mapa global del arte contemporáneo, enlazando la producción que se genera desde la ‘periferia’ con los circuitos más vibrantes del mercado internacional.

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Amalia Avia fue una mujer enormemente cálida, recordada por su refrescante risa y su vitalidad, que escondía, tras sus duros años de infancia y adolescencia, un gran temor al paso del tiempo y a la pérdida de la felicidad.

Pintora española de gran relevancia en el panorama del arte figurativo contemporáneo, su obra se caracteriza por la representación de escenas urbanas impregnadas de una melancolía única, que captura no solo la realidad arquitectónica de la ciudad de Madrid, sino también el paso del tiempo y la memoria que habita en sus calles y edificios.

Esta artista de línea figurativa, muy coherente con sus ideas y forma de pensar, inició su formación artística en Madrid, donde comenzó a desarrollar su estilo propio. Durante los años 50 se incorporó al círculo de artistas de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; este entorno creativo influyó profundamente en su visión artística, orientándola hacia un realismo impregnado de sensibilidad emocional.

Sus cuadros retratan fachadas de edificios, portales, talleres, escaparates y calles madrileñas que, aunque vacías de figuras humanas, evocan con fuerza la presencia de quienes habitaron esos espacios. Este enfoque le valió el apodo de ‘la pintora de las ausencias’, un título que refleja su capacidad para capturar lo intangible.

Sus obras transmiten la veracidad de la vida cotidiana y están llenas de vitalidad y esperanza. Para Amalia Avia la soledad es bella, no triste ni melancólica sino testimonial, como testigo directo de unos tiempos difíciles.

Las creaciones de Amalia Avia retienen el tiempo de un Madrid ya desaparecido, en el que apenas aparecen personas pero en el que se aprecia la huella del ser humano: tiendas tradicionales, rótulos envejecidos y puertas con cerraduras oxidadas, y escenas del metro, de la Puerta del Sol y de otras calles emblemáticas de la capital. Imágenes veladas por el paso del tiempo que despiertan nostalgia en el espectador. En esos interiores, aunque no se ven las caras de sus moradores, se percibe la huella de esas vidas anónimas, y sentimos, en esa soledad sonora, el latido de las gentes que disfrutaron de esos objetos cotidianos.

La gran afición que la pintora toledana sintió por la fotografía terminó siendo un valioso instrumento de trabajo; era el paso previo a la idea que finalmente se materializaba en el cuadro. De ahí que se deba destacar que en Amalia Avia la pintura y la fotografía se entrelazaban en traducciones sentimentales que se alejan de una concepción fría. En ella hay un ineludible componente emocional: “pinto lo que no puedo fotografiar”.

Amalia Avia enterró en cada lienzo el presente antes de que desapareciera para hacerlo inmortal. La ciudad de Amalia Avia no ha vuelto a abrir desde entonces.

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Colaboración de Gamero Gil para la revista Grada 208, de febrero de 2026.

“El Arte es una necesidad exclusivamente humana que identifica cada periodo de la Historia y que nos rodea incluso en las pequeñas cosas de nuestras vidas, guardando un poder sanador para el espíritu del creador y el espectador…”.

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El 10 de diciembre de 1884 nacía una de las artistas que dejó su sello en la historia del arte ruso. Zinaída Serebriakova, con un marcado estilo realista, se distinguió en una época en que las mujeres artistas no solían ser reconocidas.

Fue hija de un prestigioso escultor y una dibujante, quienes le enseñaron a desempeñarse en el medio artístico, de modo que tenía el destino marcado. No le dio importancia a esa creativa herencia hasta que terminó la escuela y tuvo que elegir; entonces, sí, empezó a estudiar arte.

Dejó una huella indeleble en la cultura de su nación a través de sus cuadros, donde solía representar la vida contemporánea y los paisajes de su tierra natal. Pasó sus primeros años de vida en una finca en la provincia de Kursk. A una edad temprana se mudó con su familia a San Petersburgo. En los años posteriores se dedicó a estudiar las pinturas de los maestros venecianos en Italia y los impresionistas franceses en París.

La vida campesina estuvo siempre presente en sus representaciones, incluso al unirse al movimiento ruso ‘El mundo del arte’, enfatizando el enfoque en el arte nacional y la belleza estilística en su trabajo. Sus primeras obras representan la belleza de la tierra rusa y de su gente. Paisajes coloridos e impresionistas, cuerpos exuberantes y sonrisas latentes. Todo es un juego para esta artista, todo es búsqueda lúdica. Hasta que llega el éxito de ‘En el tocador’, y entiende que tiene una carrera y debe cultivarla, que está pintando para la posteridad.

Durante su vida afrontó desafíos políticos y personales. La revolución rusa trastocó su vida, y no para bien, fue entonces cuando su vida se descarriló. Su esposo cae prisionero y muere de tifus en la cárcel; ella queda a cargo de sus cuatro hijos y de su madre enferma. La pintura no le alcanza para vivir y el hambre no tarda en llegar. Negada a pintar retratos de militares, consigue trabajo en el Museo Arqueológico de Jarkov haciendo dibujos de los objetos expuestos.

En 1924 le escriben desde París para hacer un enorme mural; duda, pero finalmente acepta, le interesa el trabajo y necesita el dinero. Cuando quiere regresar se lo impide el Estado; son momentos de una tristeza abismal.

Viaja por el mundo y sigue pintando. En 1947 adopta la nacionalidad francesa; en 1960 vuelve a la Unión Soviética y se produce el ansiado y emotivo reencuentro con dos de los hijos que tuvo que dejar atrás. También se reencuentran los rusos con su arte y vuelven a maravillarse. Obtiene un éxito desmedido en Moscú, Leningrado y Kiev. Zinaída Serebriakova muere en la capital francesa con 82 años, dejando allí gran parte de su legado y obras.

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Colaboración de Gamero Gil para la revista Grada 207, de enero de 2026.

“El Arte es una necesidad exclusivamente humana que identifica cada periodo de la Historia y que nos rodea incluso en las pequeñas cosas de nuestras vidas, guardando un poder sanador para el espíritu del creador y el espectador…”.

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Colaboración de Gamero Gil para la revista Grada 206, de diciembre de 2025.

“El Arte es una necesidad exclusivamente humana que identifica cada periodo de la Historia y que nos rodea incluso en las pequeñas cosas de nuestras vidas, guardando un poder sanador para el espíritu del creador y el espectador…”.

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